ACADEMIA ATLANTIS: La Velocidad en el mar.

Hola a todos.

Hoy, otro post gentileza de nuestro buen amigo Breixo Abréu de Camariñas, y vamos a hablar sobre la velocidad en el mar, pero sin perder ni por un momento de vista la tierra.

 

ACADEMIA ATLANTIS: La Velocidad en el mar.

 

Tabla de Windsure, las bicicletas del mar.

El concepto de velocidad en el mar es bastante distinto al manejado sobre la tierra. Sobre el mar todo va con cierta mayor calma y sosiego, y los espíritus marineros tienden a ser, por naturaleza, también algo más reposados y reflexivos (o por lo menos eso le parece a este viejo marino). En esta ocasión deseamos hablaros de todo ello pero manteniendo siempre una comparación (o equivalencia) entre ambos conceptos para que de esta forma sea mucho más entendidas y comprendidas esas diferencias mencionadas. Aunque queremos advertir antes de nada que los datos que ofrecemos en los cuadros tienen un carácter de “aproximados”, pues no queremos que por una cifra arriba o abajo y ya se nos tache de ser poco precisos o rigurosos. En fin, pensamos que, observando con un poco de atención los datos estos cuadros, todos vosotros, personal de tierra adentro, entenderéis aquello que nos proponemos mostrar. Bueno, pues vamos a ello.

Fuerza motriz: Viento en las velas.

Todo vehículo o nave que se mueve utiliza una fuerza motriz que le impulsa a avanzar en el sentido de su marcha o derrota. Pero, claro, el hacerlo sobre la tierra a sobre las aguas suponen grandes diferencias. En la tierra la medida de longitud más común y extendida es el metro (m) y, para distancias más largas el Kilómetro (km), que equivale a mil metros. Ambas medidas pertenecen al Sistema Internacional (SI), lo que comúnmente se conoce como el Sistema Métrico Decimal. Sobre las superficies terrestres mayoritariamente los vehículos suelen ser “rodados”, vehículos sobre ruedas (excepto contadas ocasiones, que se mueven por deslizamiento, como puedan ser los trineos, patines de cuchillas, etc.). Y esa fuerza motriz tiene que vencer principalmente el peso que mueve y, sobre todo, la oposición del viento que corta. La medida de velocidad más común sobre las tierras es el Kilómetro por hora (Km/h). Dicho esto, vamos a mostraros un primer cuadro para las velocidades de los vehículos más comunes y rápidos sobre una superficie terrestre y un poco más adelante os explicaremos lo de la equivalencia utilizada:

Velocidad de algunos vehículos rodados.

Vehículo	Velocidad Max.	Nudos	Observaciones
Coche de Fórmula 1	360 km/h	194 Kn	Por ejemplo, el bólido de Fernando Alonso.
Moto de GP (Grand Prix)	350 km/h	188 Kn	La Moto de Honda de Marc Márquez
Bicicleta en bajada a “tumba abierta”	Entre 90 Km/h y 100 Km/h	54 Kn	Algunas de las bajadas de Miguel Indurain, Perico Delgado o Alberto Contador.

Fórmula 1 – 360 Km/h — 194 Kn.

Moto GP – 350 Km/h — 188 Kn.

Bicicleta en descenso: 100 Km/h — 54 Kn.

Milla Náutica = 1º Meridiano terrestre : 60 partes.

Ahora bien, en el mar todo cambia. La medida de longitud internacional comúnmente aceptada y homologada desde el año 1929 es La milla Náutica (no existe un símbolo universalmente aceptado para definirla. Se suele utilizar indistintamente y según los lugares M, mn, mni, NM y nm. En fin, lo dejamos aquí, pero tal vez el más común de todos sea mn). Esta unidad de longitud no pertenece al Sistema Internacional (SI) y aun así es utiliza actualmente en navegación marítima y aérea. La procedencia de la milla náutica se deriva del tamaño del planeta tierra. Esta distancia equivale a 1 minuto del arco de latitud terrestre, siendo unas sesenta millas náuticas de longitud equivalentes a 1 grado de latitud del meridiano terrestre. Y aclarado esto, ahora ya os digo su tamaño y equivalencia con la tierra:

1 Milla Náutica = 1852 metro = 1,852 Km.

La velocidad en el mar se mide en Nudos (Kn ó Kt y Kts para el plural – estas abreviaturas provienen del inglés donde Knot = nudo –), siendo un nudo 1 milla náutica a la hora (1 kn = 1mn/h), es decir 1 Kn= 1,852 Km/h.

Obra viva / Obra muerta.

Los buques y naves, al desplazarse, como todo vehículo terrestre, tienen que utilizar una fuerza motriz que los impulse, vencer su propio peso sobre el agua, vencer la oposición de los vientos y… la oposición del agua. A los buques y barcas se les considera una imaginada línea horizontal que los parte en dos mitades por la línea de flotación: la parte sumergida (conocida como obra viva) y la parte sobre las aguas (obra muerta). Evidentemente la parte del buque que comprende la Obra Muerta sufre la oposición de los vientos, lo que, dependiendo de la fuerza del viento, produce un desvío del rumbo de derrota que todos los marinos tienen que conocer y dominar (entre otras muchas cosas, que tampoco hay que cansar). Pero es sobre todo la oposición del agua sobre la Obra Viva del buque lo que se podría decir que lastra mucho la velocidad.  Para que os hagáis una idea, el barco más rápido del mundo es un trimarán, el Earthrace (hoy día hay lanchas planeadoras y motos náuticas más rápidas, pero este tipo de embarcaciones son de muy particular navegación y de muy escasa autonomía,  por lo que barco, lo que se dice barco, el más rápido es el citado). El Earthrace alcanza una velocidad de 41 Kn; pues bien, como las moléculas del agua se contraen proporcionalmente a la velocidad del buque, oponiendo así mayor resistencia al avance, se puede decir que el esfuerzo de impulsión de esta asombrosa nave es ¡el equivalente a penetrar la resistencia del propio hormigón!

Bueno, y ya conociendo las equivalencias de velocidades podemos mostraros algunas velocidades sobre las aguas. Lo iremos haciendo por apartados según las características de las naves y de sus impulsos. Ahí va…

 

Las mayores velocidades del mar.

Buque	Velocidad Max. Nudos	Equivalencia en Km/h	Observaciones
Lancha Planeadora	Entre 70 kn y 97 kn	Entre 130 y 180 km/h	Por ejemplo una lancha tipo Powerboat.
Moto Náutica	59 kn	110 km/h	Las Motos náuticas de competiciones.
Trimarán Earthrace	41 kn	76 km/h	El barco más rápido del mundo.

Lancha Planeadora – 97 Kn.

Moto Náutica – 59 Kn.

Trimarán Earthrace – 41 Kn.

Algunos buques a vela.

Buque	Velocidad Max. Nudos	Equivalencia en Km/h	Observaciones
Drakkar Vikingo	14 kn	26 km/h	Eran naves ligeras y muy veloces para su época.
Carabela	12 kn	22 km/h	Por ejemplo, La Pinta de Cristobal Colón.
Galeón Español	7 kn	13 km/h	Eran buques muy pesados y lentos.
HMS Victory	9 kn	16 km/h	Eran el buque insignia del Almirante Nelson en la batalla de Trafalgar
Clipper tipo Cutty Sark	15 kn	28 km/h	Eran naves de mucho trapo, los bólidos del mar de la época.
Velero de regatas	Entre 20 kn y 30 kn	Entre 37 y 55 km/h	Veleros deportivos y con dotaciones muy entrenadas.

Drakkar Vikingo – 14 Kn.

Carabela – 12 Kn.

Galeón Español – 7 Kn.

HMS Victory – 9 Kn.

Clipper Cutty Sark – 15 Kn.

Veleros de Regatas – 30 Kn.

Ahora algunos buques pesqueros:

Buque	Velocidad Max. Nudos	Equivalencia en Km/h	Observaciones
Buques arrastreros	Entre los 7 kn y 13 kn	Entre 13 y 24 km/h	Pesca de bajura y altura.
Buques cerqueros	Entre los 7 kn y 20 kn	Entre 13 y 37 km/h	Pesca de bajura y altura.
Otros Pesqueros más menudos.	Entre los 6 kn y los 12 kn	Entre 11 y 22 km/h	Pesca menuda de litoral.

Buque pesca de arrastre – 13 Kn.

Buque pesca de cerco – 20 Kn.

Pesqueros menudos de litoral — 12 Kn.

Y ahora algunas naves de la Armada.

Buque	Velocidad Max. Nudos	Equivalencia en Km/h	Observaciones
Portaviones George Washington (USA)	30 kn	56 km/h	Los buques de la Armada más importantes y poderosos.
Acorazado Bismarck (ALEM).	29 kn	54 km/h	Hundido durante las II Guerra Mundial.
Fragata Canarias (ESP).	29 kn	54 km/h	Buque naval moderno y polivalente.
Submarino U-Boat (ALEM)	Sup- 18 kn Inm- 8 kn	Sup- 33 km/h Inm- 15 km/h	Famosos submarinos alemanes de la II Guerra Mundial, más rápidos en SUPerficie que en INMersión.
Submarino SSN Los Ángeles (USA)	Sup- 20 kn Inm- 32 kn	Sup- 37 km/h Inm- 59 km/h	Moderno submarino de ataque, más rápido bajo el agua que por encima de ella.
Submarino SSBN Typhoon (RUS).	Sup- 22 kn Inm- 27 kn	Sup- 41 km/h Inm- 50 km/h	Submarino balístico ruso, más rápido bajo el agua que por encima de ella.

Portaviones – 30 Kn.

Acorazado Bismarck – 29 Kn.

Fragata Canarias – 29 Kn.

Submarino U-Boat — Sup-18 Kn. / Inm- 8 Kn.

Submarino SSN Los Ángeles — Sup-20 Kn. / Inm- 32 Kn.

Submarino SSBN Typhoon — Sup- 22 Kn. / Inm- 27 Kn.

Encuentro táctico en el Atlántico: Acorazado Bismarck y U-Boat.

Pues ya lo veis. La velocidad en el mar es muy desigual a la de la tierra. Velocidades en el mar por encima de los 60 km/h (lo que alcanza cualquier ciclomotor de hoy día) son muy improbables y raras. En el mar, como ya dije, se tiene uno que adaptar a otros ritmos de viaje y, sobre todo, de ánimo. La gente de la mar sabe siempre que lo importante es llegar y no siempre hay que correr para ello (más bien, se corre poco o nada). Hasta se pueden pasar varios días casi sin moverse del sitio “haciendo capa” al temporal, lo que suele ser muy molesto y tedioso pero nunca insufrible, pues en la mar tiene uno siempre que saber adaptarse a las circunstancias, es decir a los vientos y a los temporales. Y ya vamos acabando. Espero haberos aclarado un poco el tema propuesto de la velocidad en el mar y para terminar quiero lanzaros una pregunta sencilla. Venecia en una ciudad muy hermosa y romántica, por la que se circula por sus canales y calles inundadas en barcas, góndolas y lanchas, pero… ¿sabe alguien por qué la llaman la República Serenissima?  Por algo será, ¿verdad?

 

«La milla náutica es un poco más  larga que la milla terrestre y mucho más humedad”. Jack Aubrey, comandante del buque HMS Sophie (novelas de Patrick O`Brian).

Hermosa Venecia, la República Serenissima.

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FRAGANCIAS DE CORAL: Cuatro cantos al mar y una Salve Marinera.

Hola a todos.

Hoy, otra buena entrada de la peña del Pecio Alegre. Nos apetece mostraros las letras de cuatro magníficas canciones y, para terminar, la hermosa Salve Marinera que entonaban (y creo que siguen entonando) todos los reclutas de marinería.

 

FRAGANCIAS DE CORAL: Cuatro cantos al mar y una Salve Marinera.

 

Marina.

La humana poesía, la sonoridad de las bellas palabras, se acerca a la mayoría de nosotros casi siempre a través de la música. Pero la verdad es que casi todos nosotros no terminamos, en la mayoría de las ocasiones, de fijarnos en detalle en esas letras que vienen envueltas en maravillosas y pegadizas melodías. Es decir, nos solemos quedar casi de inmediato con el conjunto que forma la música y la letra, y así casi siempre terminamos por tararear y silbar esa pegadiza comunión, pero, tal vez por esa facilidad de aprehensión instantánea por parte de nuestro consciente de las hermosas melodías, casi siempre dejamos de apreciar en profundidad esos magníficos y sonoros versos y de valorar en su justa medida sus contenidos de emociones tan humanas por emotivas y sentimentales. Pues bien, fijaros bien hoy en eso versos marineros de hoy y hacerlo en esta ocasión primero sin la música. Pensar y reflexionar sobre su contenido y sobre su belleza, luego escuchar las canciones que os citamos (yo os recomiendo las versiones de los intérpretes indicados -porque, al tratarse de temas muy populares y exitosos, hay otras muchas versiones y cantantes que las llevan en su repertorio-). Y ahora dejaros llevar por la música y las magníficas voces, bajar las defensas de vuestro intelecto y, al dejar el alma al descubierto ante estas marineras canciones, estoy seguro,  se alcanzará uno de esos momentos de emoción y sentimentalismo tan humanos, gratos y enriquecedores. Bueno, o esa es mi sencilla y amiga intención.

 

1/ El Mar.

Por los Sabandeños (1966- ).

 

El mar, que un día fue
espejo de mi amor,
al irte tú, cambió su luz
hundiendo en la sombra mi vida.

El mar te separó,
dejándome morir,
y entre sus olas se llevó
tu imagen por mí tan querida.

El mar puede cambiar
la vida de los dos.
El mar te hará olvidar
que todo terminó.

El mar será otra vez
testigo de mi amor
y entre sus aguas me traerá
tu imagen que tanto he amado.

El mar puede cambiar
la vida de los dos.
El mar te hará olvidar
que todo terminó.

El mar será otra vez
testigo de mi amor
y entre sus aguas me traerá
tu imagen que tanto he amado.

Que tanto he amado.

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El mar… espejo de mi amor…

El mar… testigo de mi amor…

El mar puede cambiar la vida de los dos…

 

2/ Háblame del mar marinero.

Por Marisol (1948- ).

 

Háblame del mar marinero
háblame del mar, háblame.

Dicen que hay [toros] azules
en la primavera del mar
que el sol es el caporal
y las mantillas las nubes
que las mueve el temporal.

Dicen que hay toros azules
en la primavera del mar.

Háblame del mar marinero
dime si es verdad lo que dicen de él
desde mi ventana no puedo yo verlo
desde mi ventana el mar no se ve.

Háblame del mar marinero
cuéntame [qué] sientes allí junto a él
desde mi ventana no puedo saberlo
desde mi ventana el mar no se ve.

Dicen que el barco navega
enamorado del mar
buscando sirenas va
buscando sirenas nuevas
que le canten al pasar.

Dicen que el barco navega
enamorado del mar.

Háblame del mar marinero
dime si es verdad lo que dicen de él
desde mi ventana no puedo yo verlo
desde mi ventana el mar no se ve.

Háblame del mar marinero
cuéntame [qué] sientes allí junto a él
desde mi ventana no puedo saberlo
desde mi ventana el mar no se ve.

Háblame del mar marinero
háblame del mar, háblame.

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Háblame del mar marinero…

Desde mi ventana… el mar no se ve…

Dicen que el barco navega enamorado del mar…

 

3/ Mediterráneo.

Por Joan Manuel Serrat (1943- ).

 

Quizás porque mi niñez
sigue jugando en tu playa
y escondido tras las cañas
duerme mi primer amor,
llevo tu luz y tu olor
por dondequiera que vaya,
y amontonado en tu arena
guardo amor, juegos y penas.
Yo, que en la piel tengo el sabor
amargo del llanto eterno
que han vertido en ti cien pueblos
de Algeciras a Estambul
para que pintes de azul
sus largas noches de invierno.
A fuerza de desventuras,
tu alma es profunda y oscura.

A tus atardeceres rojos
se acostumbraron mis ojos
como el recodo al camino.
Soy cantor, soy embustero,
me gusta el juego y el vino,
tengo alma de marinero.

Qué le voy a hacer, si yo
nací en el mediterráneo.

Y te acercas, y te vas
después de besar mi aldea.
Jugando con la marea
te vas, pensando en volver.

Eres como una mujer
perfumadita de brea
que se añora y que se quiere
que se conoce y se teme.
Ay, si un día para mi mal
viene a buscarme la parca.
Empujad al mar mi barca
con un levante otoñal
y dejad que el temporal
desguace sus alas blancas.
Y a mí enterradme sin duelo
entre la playa y el cielo…

En la ladera de un monte,
más alto que el horizonte.
Quiero tener buena vista.
Mi cuerpo será camino,
le daré verde a los pinos
y amarillo a la genista.

Cerca del mar. Porque yo
nací en el mediterráneo.

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Quizás porque mi niñez sigue jugando en tu playa…

Y a mí enterradme sin duelo entre la playa y el cielo…

Qué le voy a hacer, si yo nací en el Mediterráneo…

 

4/ Alfonsina y el mar.

Por Mercedes Sosa (1935-2009).

 

Por la blanda arena que lame el mar
Su pequeña huella no vuelve más
Un sendero solo de pena y silencio llegó
Hasta el agua profunda
Un sendero solo de penas mudas llegó
Hasta la espuma

Sabe Dios qué angustia te acompañó
Que dolores viejos calló tu voz
Para recostarte arrullada en el canto de las
Caracolas marinas
La canción que canta en el fondo oscuro del mar
La caracola

Te vas Alfonsina con tu soledad
¿Qué poemas nuevos fuiste a buscar?
Una voz antigua de viento y de sal
Te requiebra el alma y la está llevando
Y te vas hacia allá, como en sueños
Dormida, Alfonsina, vestida de mar

Cinco sirenitas te llevarán
Por caminos de algas y de coral
Y fosforescentes caballos marinos harán
Una ronda a tu lado
Y los habitantes del agua van a jugar
Pronto a tu lado

Bájame la lámpara un poco más
Déjame que duerma Nodriza en paz
Y si llama él no le digas que estoy
Dile que Alfonsina no vuelve
Y si llama él no le digas nunca que estoy
Di que me he ido

Te vas Alfonsina con tu soledad
¿Qué poemas nuevos fuiste a buscar?
Una voz antigua de viento y de sal
Te requiebra el alma y la está llevando
Y te vas hacia allá como en sueños
Dormida, Alfonsina, vestida de mar

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Te vas Alfonsina con tu soledad…

Por la blanda arena que lame el mar…

Dormida, Alfonsina, vestida de mar…

 

Santísima Virgen del Carmen, patrona de los marineros. Cambrils (Tarragona).

Y ahora, para despedirnos, os ofrecemos la letra de la hermosa Salve Marinera que se cantaba (y se sigue cantando) en puertos y arsenales de marina todos los dieciséis de Julio en honor a la Virgen del Carmen, virgen del mar y patrona de todos los marinos. Esta pieza se estreno en el año 1870 como parte integrante de la zarzuela El molinero de Subiza (obra de los autores mencionados), pero muy pronto, por su belleza, pasó a ser considerada como himno de la Armada Española y a popularizarse por todos los ámbitos marineros. Por muy agnóstico que se declare este viejo marino, hay tradiciones muy arraigadas en la sociedad y, por supuesto, las creencias religiosas son unas de las más fuertes y sólidas. Porque, claro, la Fe mueve montañas y, sobre todo en el despiadado mar, esta misma Fe suele ser en demasiadas ocasiones la última esperanza humana. En fin, lo de siempre, para todos los creyentes, al César lo que es del César y a Dios lo que es de Dios. Pero es innegable e indiscutible, a estas alturas de la historia, que todas las creencias espirituales son el germen y el motivo de obras de arte sublimes y bellísimas, y de otras obras muy hermosas, humanas y siempre sinceras, y esta Slave Marinera es una de ellas. Leer estos versos y luego escucharlos en cualquier coro aplicado y ensayado y entenderéis perfectamente lo que quiero decir.

 

 

5/ Salve Marinera.

Letra: Luis de Eguílaz (1830-1874).

Música: Cristobal Oudrid y Segura (1825-1877).

 

Salve, estrella de los mares,
de los mares iris de eterna ventura
salve fénix de hermosura
madre del Divino Amor.

De tu pueblo a los pesares
tu clemencia dé consuelo
fervoroso, llegue al cielo,
hasta Ti, hasta Ti nuestro clamor.

Salve, Salve, estrella de los mares
Salve estrella de los mares
Sí, fervoroso llegue al cielo
y hasta Ti y hasta Ti nuestro clamor.

Salve, Estrella de los mares
Estrella de los mares,
salve, salve, salve, salve.

Salve, estrella de los mares…

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“Fue a la vera del mar, a medianoche. Supe que estaba Dios, y que la arena y tú y el mar y yo y la luna éramos Dios. Y lo adoré”.  Antonio gala (1930- ). Poeta y humanista español.

Hombres de mar: lucha, valor y Fe; trabajo, amor y familia.

MEDITACIONES DE HIPOCAMPO: Himno de la Armada Española. Un himno trasnochado.

Hola a todos.

De nuevo un post de nuestro buen amigo Breixo Abréu desde Costa da Morte. Espero que os guste.

Hoy queremos hacer uso de nuestra imaginación y realizar una reflexión personal, atrevida pero siempre constructiva, sobre el Himno de la Armada Española.

 

MEDITACIONES DE HIPOCAMPO: Himno de la Armada Española. Un himno trasnochado.

 

Himno de la Armada Española.

Letra: José María Pemán (1897-1981).

Música: Germán Álvarez Beigbeder

 

Soplen serenas las brisas
ruja amenazas la ola,
mi gallardía española
se corona de sonrisas.

 

Por ti, Patria, por ti sola
mi vida a los mares di,
por ti al peligro ofrecí
mis obras y pensamientos
¡en la Rosa de los Vientos
me crucifico por ti!

 

Por tu sagrada presencia
que nada turba ni empaña,
tiene sus horas la hazaña
y sus horas la obediencia.

 

El imperio a España vendrá
por los caminos del mar.

 

Hay que morir o triunfar,
que nos enseña la Historia
en Lepanto la Victoria
y la muerte en Trafalgar.

 

Soñando victorias, diciendo cantares,
marinos de España crucemos los mares,
delante, la gloria, la leyenda en pos,
debajo las voces de nuestros caídos,
y arriba el mandato de España y de Dios.

 

De España y de Dios, de España y de Dios.

Soplen serenas las brisas, ruja amenazas la ola… (este primer cuarteto está bastante bien).

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Bueno, en primer lugar una advertencia. No quisiera que nadie se me moleste y enfade por lo que voy a decir a continuación. Lo que voy a decir lo hago ejerciendo mi derecho a la libertad de expresión, de la que se disfruta en todo estado de derecho y libertad democrática, siempre desde el más riguroso respeto por el Himno y por cualquier otra opinión diferente a la mía, e intentando guarda la debida e imprescindible educación y mesura, faltaría más, pero desde la sinceridad más rigurosa y personal. Mi única intención es abrir una corriente de opinión constructiva y racional pues, ciertamente, creo que la cuestión y los tiempos lo requieren. Vamos allá.

 

Uniformes de Marina: Elegancia y distinción.

Los ejércitos y la Marina de cualquier país hoy día no son ni por asomo lo que eran hace tan solo un siglo o poco más. Hoy, ambos estamentos son “máquinas perfectas y precisas de defensa” muy técnicas y modernamente organizadas (algunos dirán, sin tanto disimulado eufemismo, y llegado el caso, máquinas de matar, pues eso se hace en las guerras). Por todo, por sus armas, sus tecnologías, por sus muy preparados oficiales, suboficiales y soldados o marinos, la Marina y los ejércitos en general del siglo XXI han dejado casi radicalmente de lado aquel carácter de apariencias elegantes y desfiles pomposos. Hoy se precisa igualmente del valor personal, la obediencia al mando o también de una cierta identidad patriótica (anquen esto último con ciertos matices, pues el mundo está hoy plagado de ejércitos de terroristas o mercenarios profesionales que acuden allí dónde se les paga y nunca por motivos patrióticos, vamos), identidad ésta que insufla en la tropa, dado el caso, los ánimos y el valor necesario que propicia las acciones arrojadas y heroicas, pues en todo ejercito o Marina, estas virtudes castrenses siempre estarán presente en su ADN de identidad. Pero, como hemos dicho, hace tan sólo un siglo, o un poco más, los ejércitos llevaban al frente a sus soldados y marinos con uniformes pomposos, multicolores, llamativos, recargados de chapas y flecos dorados; todo era exagerado, todo se vanagloriaba de brillo, esplendor y un cierto orgullo arrogante y hasta un poco chulesco. Y, hoy día, todavía queda algo de aquella opereta y pomposidad en los ejércitos y Marinas del mundo: en tiempos de paz quedan los vanidosos desfiles, quedan los uniformes de gala, quedan las masivas e invasivas condecoraciones en el pecho y quedan también… ¡los himnos exagerados y trasnochados!

 

D. José María Pemán.

El Himno de la Armada Española fue compuesto por Don José María Pemán (1897-1981), escritor español que se caracterizó por su marcado radicalismo católico y su incuestionable posición política, conservadora y reaccionaria. Personaje histórico que fue incondicional de la dictadura del general Miguel Primo de Rivera, enemigo declarado de la Segunda República Española, participante convencido del alzamiento militar del general Francisco Franco y, en la posterior posguerra, defensor a ultranza y militante del “glorioso” Movimiento Nacional, para terminar sus días como un monárquico convencido y defensor de la nueva restauración borbónica. Este preámbulo y presentación del letrista nacional ya nos sitúa en la génesis patriótica de la rima de estos versos encendidos y trasnochados y que todavía son cantados en la actualidad, pero, eso sí, por voces democráticas. Trasnochados, sí. Es decir, en la modesta opinión de este viejo marino, este himno está desfasado y anticuado, más pasado de su tiempo que la mili con lanza o un Danone de Manuel Azaña, vamos.

 

Alta tecnología e instrumentos de precisión: estación de radar.

La Armada Española de nuestros días, cuerpo de Marina de una España con más de cuarenta años de democracia, se nutre de un conjunto de jóvenes que proceden de un ciclo formativo y educativo muy avanzado, moderno y democrático. Los reclutas que se enrolan en la Armada y fuerzas armadas proceden de una heterogeneidad cultural y social muy acentuada, pero a los que se les exige un muy alto y técnico nivel de instrucción. Estas nuevas marinerías, profesionales todas ellas ya, serán destinadas al manejo y/o a labores profesionales en moderno buques de la Armada, modernos submarinos o aeronaves muy sofisticadas, tropas de muy alta especialización y coste de formación, operadores de instrumentos con todo tipo de avances tecnológicos punteros: radar, sonar, computadoras y otras varias instrumentalizaciones técnicas y tácticas de alto nivel; creo que me explico y se entiende lo que quiero decir, vamos. Pues bien, que nuestra Armada nacional les obligue (si no en todos los casos, claro, sí serán muchos de ellos lo que lo sientan de esta lamentable manera esta coral impuesta) y les exija cantar a voz en alto, en la explanada de la escuela naval de turno o en cualquier otro lugar público, este anticuado himno es algo inconcebible e improcedente y no ayuda en nada al buen nombre de una Armada moderna y enormemente preparada. Que un himno siempre sobrecoge y emociona al personal, vale, sí, sin duda. Pero es que un coro de voces varoniles bien ensayado sobrecoge y emociona aunque cantarán la pachanga de Tengo un tractor amarillo. Y hoy hablamos de otra cosa muy distinta. Veamos.

 

¡En la Rosa de los Vientos / me crucifico por ti! ¡Por Dios, qué tétrico!, ¿no? Estas estrofas tan graves y de tales sacrificios parecen, no de un siglo atrás, sino de mucho más tiempo. Estas exageraciones me parecen que carecen de toda poesía y elegancia, y hasta son un poco irreverentes y mal sonantes. En mi modesta opinión son hoy día muy lamentables y hasta de un gusto estético muy discutible.

 

Valor español. Otras épocas, otras armas.

El imperio a España vendrá / por los caminos del mar. Tanta presunción y arrogancia patriótica está de sobra en la España de hoy día, mucho más humilde y realista y mucho menos pretenciosa y codiciosa, y, sobre todo, sobran en un mundo más hermanado, global y cercano. Que alguien le diga a las altas autoridades militares de la Marina Española (o a quién corresponda) que en los tiempos que corren sólo hay dos imperios reales en el mundo: el Imperio norteamericano del dólar, y ese otro imperio más mediático, increíble y asombroso, el Imperio Galáctico del Mal de la serie Star Wars. Creo que ya es hora que la marina española deje de cantar a grito pelado ridiculeces de este calado (e insisto en mi respeto máximo por el himno actual, pero es lo que nos parece y pensamos muchos en este país, y me he propuesto ser sincero y concreto, no encontrando ahora mismo otra palabra que refleje mejor mi opinión). Hay que comprender y entender que en el mundo actual sobran todos los imperios patrios de cualquier tipo, sobran los nacionalismos devoradores y totalitarios. Y, gracias a Dios, si algo viene por el mar a nuestro país, hoy día y también esperamos que en el mañana, no será un nuevo imperio dominador y explotador sino unos cuantos y modernos trasatlánticos cargados con miles de contentos y felices turistas, en busca de sol y playa, siesta y alegría de fiesta, en busca del buen saber vivir y compartir del carácter generosos de los españoles.

 

Valor: se le supone. Otro tiempo, otras armas.

Hay que morir o triunfar, / que nos enseña la Historia... Otro exceso de heroicidad que ya no exigen los conflictos actuales ni los ejércitos de hoy día. Todo militar o marino de la Armada sabe que el valor de la tropa o marinería es un factor importante pero, por desgracia (por que la muerte guerrera es hoy mucho más generalizada, masiva e impersonal), es siempre muy relativo hoy día. Las armas disponibles en la actualidad por los ejércitos modernos son armas de una destrucción atroz y total. Un simple botón, un misil, un objetivo y un instante fugaz, y ya desaparece bajo las aguas un buque completo y toda su tripulación, o todo un frente de batalla, cientos o miles de soldados o marinos que en un insignificante segundo ya no están en este mundo y que no se han enterado de nada, ni de dónde procedía el destructivo ataque, y mucho menos se les ha dado alguna remota opción de demostrar su valor y gallardía. Las lecciones de historia en esta material bélica, de nuevo por desgracia, ya no sirve de nada ni para nada. Mantener unos versos como estos resulta cínico y, con todos mis respetos, hasta un poco cómico, creo yo.

 

El Nacional Catolicismo (punto de vista republicano).

Y arriba el mandato de España y de Dios. El país de Francisco Franco, sin ninguna duda, era la España de los cuarenta años del Nacional Catolicismo. Sí, cierto. Pero nuestra España de hoy es muy distinta. Es la España democrática, laica, de un carácter que nos parece más abierto y tolerante, más joven y más emprendedor, europea, multicultural y multirracial. Es, se acepte o no, un país multiespiritual. A nuestros ejércitos y marina acuden jóvenes católicos, sí, claro, pero también de otras varias creencias: protestantes, musulmanes, ateos, agnósticos y ¡hasta budista! Creo que lo que procede son himnos laicos, que canten a la patria, al valor, a la libertad, al honor, o yo qué sé, a cualquieras otras cuestiones más tangibles y reales, pero a un Dios único y católico, creo sinceramente, que no procede en los tiempos actuales. El laicismo racional y respetuoso, tolerante y democrático, tiene que volver a imperar de manera clara en los ejércitos y en las Marinas, como lo va haciendo poco a poco en todos los gobiernos modernos.

 

Puente de mando de la época de este himno actual.

Concluyendo. Creo humildemente y con sinceridad que urge cambiar y modernizar ya el himno de la Armada Española. Es apremiante modernizarlo y sustituirlo por uno nuevo más actual y que se ajuste mucho más al verdadero espíritu de nuestra moderna Marina y de nuestros jóvenes y muy preparados oficiales y marineros. La autoridad competente y responsable que corresponda, el Ministerio de Defensa o la Capitanía General de la Marina, debería ya mismo replantearse el encargar a algún compositor de talla reconocida un himno renovado y más moderno. Un nuevo himno que, manteniendo las cosas buenas de siempre, intente recoger con su letra lo mejor del espíritu castrense de los ejércitos españoles de hoy día, como la lealtad a la corona (y os recuerdo que este viejo marino es un republicano de corazón. Pero éste es otro tema que hoy no toca), la bandera, el valor, la obediencia, el amor a la Patria (pero a una patria menos totalitaria y unitaria, más plural y tolerante, más federal y hermanada, y, desde luego, mucho menos egocéntrica y presuntuosa), expulsando así a los viejos conceptos ya desfasados y obsoletos e introduciendo unos nuevos más acordes con nuestra España de hoy y con las modernas fuerzas armadas, como podrían ser la democracia, el laicismo, la pluralidad, la libertad o la hermandad de todos los peninsulares en un proyecto de país común y respetado, etc.

 

La evolución de las especies: Fragatas del mañana.

Cuidando estos pequeños detalles, como es un himno cantado y sentido, creo que también se moderniza y honra a la Marina y a los ejércitos. De hecho, estoy convencido, un mejorado y moderno himno sería algo digno de mostrar, de lucir, en España y en el extranjero, algo de lo que de verdad sentirse orgullosos, sería una buena prueba de esa contemporaneidad de nuestro país y de nuestras fuerzas armadas. Sería en suma un gesto acertado de modernidad y adaptación racional a los nuevos tiempos del siglo XXI. Otra cosa, como es el mantener por mucho tiempo ese viejo himno actual, tan extremista y desfasado, creo que sería un enorme error castrense e institucional que no hará ningún bien a la Armada Española. Obcecarse con nuestra historia inmediata y no reconocer lo necesario de borrar símbolos y signos pomposos y disgregadores, aunque sea en la letra de un viejo himno, no es lo más razonable. Todo lo dicho hasta ahora lo manifiesto con la esperanza de ser leído por mentes abiertas y tolerantes pero, como de todo hay en la viña del Señor, seguro que daré con algún intransigente y reaccionario conservador que se sienta ofendido. Pues bien, si se da el caso de esto último, por favor, que nadie me salga ahora con otro tipo de patriotismo que no sea uno más moderno, dialogante, racional y democrático. Pues si alguien se molesta y se me rebota por lo aquí expuesto y basándose en ese otro tipo de amor patrio tan carca y alterado, lleno de soflamas y tópicos vacíos, del tipo de España Una y Grande, Non plus Ultra, etc., no le quedará otra a este viejo marino que abandonar su pretendida mesura y tolerancia y rebotarse de igual forma para terminar este artículo recordando una conocida frase, que da mucho para una profunda reflexión, y que fue pronunciada por la primera dama de Argentina Evita Perón…

 

“La Patria no es patrimonio de ninguna fuerza. La Patria es el pueblo y nada puede sobreponerse al pueblo sin que corran peligro la libertad y la justicia. Las fuerzas armadas sirven a la Patria sirviendo al pueblo”.  Eva Perón (1919-1952). Actriz y política argentina.

Cuidar de los pequeños detalles de la Armada Española es honrar su historia y asegurar esplendor al mañana.

PINACOTECA ATLANTIS (II): La balsa de la Medusa. De Jean-Louis A. Théodoret Géricaut (1791-1824).

Hola a todos.

Hoy vamos a reeditar una entrada que procede de nuestro blog hermano Costa da Morte. Nuestro querido amigo Patricio O’Neill nos ha traído un lienzo (metafóricamente hablando, claro) que impresiona y aturde. Sin duda una reconocida obra maestra universal de la pintura del periodo artístico conocido como el Romanticismo francés.

PINACOTECA ATLANTIS (II): La balsa de la Medusa. De Jean-Louis A. Théodoret Géricaut (1791-1824).

Oficial de Cazadores a la carga (1812).

La mar océana, como diría Antón Chéjov (escritor ruso, 1860-1904), “no tiene ni sentido ni piedad”. Esto lo saben muy bien todos marinos. Porque no existe ningún veterano hombre de mar que en alguna de sus travesías no se haya visto empujado por el temor, la desesperación o el sentido desamparo, a rogar a su Dios o a encomendarse a sus Santos o, más comúnmente, a su Virgen del Carmen. Cuando el mar se agita y dice, “aquí estoy yo”, y empieza a bailar a su ritmo y capricho, cuando empieza a peinar sus interminables bucles en alturas de metros y metros, cuando sus rizos y espumas se pierden en el horizonte visual, todas los buques de este mundo se transforman de inmediato en un diminuto e indefenso corcho a la deriva, naves insignificante y desvalidas, derrotadas y frágiles;  y a sus curtidas tripulaciones de hombres rudos y experimentados en pequeñas figuras atemorizadas y suplicantes. Y el que os diga otra cosa, o es un falso marino del carajo o un patético fanfarrón insufrible. Pues bien, la historia de la pintura ha recogido varias de esas terribles tormentas del mar. Simplemente porque esta incomprensible y desmedida furia de la naturaleza ha sido uno de esos temas recurrentes que ha inspirado a grandes artistas de todas las épocas. Pero, la verdad, ninguna lo ha hecho con tanto dramatismo y crudeza como la que comentamos hoy. Espero que vosotros opinéis de igual manera que este viejo irlandés después de leer nuestro comentario. Ahí va, y ojalá os guste.  

La balsa de La Medusa (Le Radeau de la Méduse).

De Jean Louis André Théodore Géricaut (1194-1824).

Técnica: Óleo sobre lienzo. Año 1818-1819.

Dimensiones: 491 x 716 cm.

Localización: Museo del Louvre – País.

Presentada por primera al público en el Salón de París del año 1819. Pintura icono del Romanticismo Francés.

Jean Louis André Théodore Géricaut.

Jean-Louis André Théodore Géricaut es una de las figuras más destacadas del movimiento Romántico de la pintura francesa. Nuestro artista murió muy joven, con treinta y dos años, y en sus últimos años sufrió una dolorosa enfermedad (que se supone fue cáncer en los huesos) que le impidió trabajar con grandes lienzos, con lo que también se dedicó en esta tardía época a trabajos, mucho más livianos, con litografías. Sus influencias más notorias son Rubens (1577-1640) y, tras su viaje a Italia, Miguel Angel Buonarroti (1475-1564). Desde los inicios de su carrera, Théodore Géricault, se descolgó de la por entonces predominante escuela Neoclásica de Jaques-Louis David (1748-1825). Nuestro pintor abandona muy pronto la perfección escultórica de la figura Neoclásica y los temas grandiosos y pomposos para centrarse en otros más sociales de la vida cotidiana o en sus queridos caballos (les gustaban sobremanera y pintaba sus figuras siempre que podía).

Coracero herido saliendo de la batalla (1814).

Su primer gran cuadro famoso en un óleo de 1812, Oficial de cazadores a la carga. Pero, tan sólo dos años más tarde, realizará otro cuadro castrense que obtendría poco éxito y peor crítica, será el fallido Coracero herido saliendo de la batalla (1814). Es ahora, al poco tiempo de este fracaso artístico, cuando realizará su viaje a Italia, visitando las ciudades de Florencia y Roma (entre los años 1816-17),  y allí conocerá a todos los clásicos del Renacimiento y, muy particularmente, al mencionado Miguel Ángel y a otro genio de la luz en la pintura, a Caravaggio (1571-1610). A su regreso de Italia, y con tan solo veintisiete años,  nuestro pintor de hoy afrontará un reto personal y profesional de enorme responsabilidad y que terminará absorbiéndole totalmente, el que sería su trabajo más importante y, a la postre, el más famoso y conocido. Se trataba de una desgarradora denuncia social (o así lo entendieron muchos de sus contemporáneos) por un desgraciado naufragio militar acaecido hacía un par de años: el cuadro que hoy comentamos, La balsa de la Medusa.

Boceto (I).

Como decimos, en este trabajo nuestro artista se involucró de manera total y entregada. Para ello realizó un número elevado de bocetos previos muy acabados, visitó morgues y hospitales para estudiar la textura y tinte de los agonizantes y de los cadáveres, se entrevistó con dos de los supervivientes del naufragio e incluso llegó a construir una balsa a escala idéntica a la del naufragio. Cuando el cuadro fue expuesto al público, en el Salón de Arte de Paris en el año 1819, obtuvo (como se suele decir en los toros) división de opiniones. Para unos era una denuncia muy estridente e inaceptable, de mal gusto y dramatismo exagerado. Para los otros, una escena real, muy conseguida, con un dramatismo apropiado y que servía perfectamente para acentuar esa denuncia pretendida sobre los privilegios y prebendas restablecidos por la monarquía francesa, recientemente restaurada en la figura del rey Luis XVIII. Pero bueno, para entender un poco mejor este cuadro, expliquemos antes los hechos históricos.

Boceto (II).

Napoleón Bonaparte (1769-1821) perdió la batalla de Waterloo en 1815, y allí se acabó su imperio francés y sus brillantes campañas militares. El emperador depuesto fue confinado a la alejada, y muy aislada, isla de Santa Elena en el Atlántico sur y la monarquía borbónica fue restaurada en Francia por las potencias aliadas europeas. Pero con esta restauración también volvieron buena parte de los vicios regios de aquellas cortes absolutistas. Y a uno de esto lamentables vicios de estado hicieron los franceses el responsable directo de este lamentable naufragio: al más descarado y vergonzoso nepotismo. Fue la designación, por favores políticos o cortesanos, de la figura del vizconde Hugues Duray de Chaumereys, noble que no había prácticamente navegado nada en sus últimos veinte años, como capitán y responsable máximo de la nueva expedición marinera a la colonia africana de Senegal. Una equivocación de estado que le iba a costar a Francia muchas lamentables pérdidas económicas, vidas humanas y un enorme desprestigio nacional e internacional.

Planta de la balsa.

Todo comenzó un mes de junio de 1816 con la partida desde el puerto atlántico de Rochefort de una expedición diplomática hacia el puerto Saint-Louis de Senegal. Expedición de la armada francesa estaba compuesta por cuatro buques: como nave capitana, la fragata Medusa, al mando del ya mencionado, el inepto vizconde de Chaumereys, el buque bodega Loire, el bergantín Argus (el rescatador final) y la corbeta Écho. En algún momento del viaje la fragata Medusa, posiblemente por el deseo de realizar un buen tiempo de travesía o por el honor de ser la primera nave en llegar a puerto, desplegó todos sus trapos y se adelantó al resto de buques de la expedición. Pero, por una mala navegación, se desvió unas 100 mn (185 Km) de su curso, con tan “mala fortuna” que el día 2 de julio el buque encalló en un banco de arena en la bahía de Arguin,  frente a las costas de la actual Mauritania. Los intentos de recuperar la nave fallaron y el 5 de julio se decidió la evacuación del navío hacia la seguridad de la costa que estaba a unas 60 mn (110 km). En el buque militar viajan un total de 400 personas, incluidos unos 160 marinos de la tripulación. Pero el navío sólo contaba con seis barcas de salvamento para un total de 250 personas. La tripulación acordó construir una balsa con maderos del buque encallado que, una vez terminada, media unos 20 x 7 metros, y se le dotó de un improvisado mástil y un pequeño paño de vela. En esta balsa se embarcaron un total de 146 varones y una mujer (no sabemos esta rara excepción a qué se debió. Pudiera ser por exigencias de un inconsciente o confiado marino enamorado y protector. Tal vez. Por imaginar…).

Detalle (I).

El propósito inicial era que la balsa sería remolcada por las barcas de salvamento, en las que viajaba el capitán y la mayor parte del pasaje, hasta las relativamente cercanas costas de Mauritania. A la balsa se le dotó por todo alimento con una caja de galletas (que se terminó el primer día), dos barriles de agua dulce (uno de ellos terminó perdiéndose por la borda en medio de alguna de las riñas y peleas acaecidas) y algunas personales barricas de vino. Pero de inmediato se comprobó que una balsa de estas proporciones, sobrecargada y semihundida, era imposible de remolcar a remo más de 60 millas náuticas entre golpes de olas y sin poner en grave peligro a las propias barcas de salvamento, también sobrecargadas. Conclusión, se dio la orden de cortar las amarras de arrastre y la balsa quedó a la deriva y dejada a su suerte. Aquí, un 5 de julio de 1816, comenzó una epopeya horrible y extremadamente dramáticas de trece días interminables, atroz aventura como pocas ha vivido la especie humana en toda su historia.

Detalle (II).

Como hemos mencionado ya, el primer día se terminó la poca comida con la que se contaba en la balsa. Se tenía que establecer un orden de racionamiento del agua y de guardias para no perder de forma prematura la esperanza de la salvación. Pero casi de inmediato salieron a relucir todos los peores males y defectos de los seres humanos, los egoísmos más inhumanos que se derivan de la natural lucha por la supervivencia. Se formaron grupos enfrentados y recelosos unos de otros. Salieron a flote las viejas rencillas y los inevitables rencores. Conforme transcurrían los días, la humedad de los golpes de las olas, el frío nocturno, el hambre, la sed y el sol abrasador empeoraban las cosas. Las miradas eran de odio y avisaban de muerte, las peleas a cuchillo se hicieron presentes por un “quítame allá unas pajas”. Los grupos dormían por turnos para prevenirse de los contrarios. Y, conforme iban cayendo tripulantes, se les arrojaban por al borda, lo que hacía continuamente presente y manifiesto el patético destino de los débiles, hasta el extremo de que algunos de ellos, en su abandono y locura final, se arrojaban voluntariamente al agua para abandonar aquel insoportable infierno (la chica y su enamorado, queremos imaginar, sería de los primeros en desaparecer. La cruel realidad de aquella inmisericorde lucha de supervivencia, lógica y lamentablemente, no admitía  ni entendía de romanticismos). Durante casi dos semanas estos hombres pasaron por las inhumanas pruebas de terribles fríos (empapados y casi desnudos), hambres intolerables, sol abrasador y deshidratación, odios, falta de compasión, locura y, finalmente, canibalismo.  A los trece días fueron avistados por el bergantín Argus. Pero no como consecuencia de ninguna operación de rescate ni nada parecido (en aquello tiempos las noticias no corrían como en nuestros días), sino como fruto de una manifiesta casualidad o, si se prefiere, de una providencia divina, por fin compasiva. De los 147 pasajeros de la balsa, el Argus recató con vida a ¡15 personas! En la balsa habían algunos cadáveres más y el resto de ocupantes habían muerto y arrojados al mar o desaparecido sin más en las oscuridades tenebrosas de este periplo de horror y muerte. Realmente, cuando se soltaron las amarras de arrastre que unían a la balsa con los botes de salvamentos, estos desgraciados hombre habían sido abandonados en el temporal a su suerte que era, sin ninguna duda, una condena a muerte agónica, lenta y cierta.

Esquema de composición.

En esta impresionantes y sobrecogedora obra maestra del romanticismo francés, Théodore Géricaut, nos enseña los momentos finales y más dramáticos de la balsa, cuando es avistado el Argus por los supervivientes.  La composición se centra en dos figuras piramidales y un punto diminuto y alejado pero muy importante para la lectura del cuadro: el bergantín Argus en el horizonte de la tormenta. Esta composición nos muestra un desorden intencionado, intentando destacar, en nuestra modesta opinión, esa manifiesta desunión que formaban los varios grupos de supervivientes enfrentados. Así, centramos la vista en las figuras del primer triángulo, el hombre maduro rodeado de cadáveres y el mástil y la vela henchida, para ir leyendo el cuadro, como una lectura, de izquierda a derecha. La segunda pirámide la forma los hombres que encaran al bergantín salvador e intentan hacer señales de avistamiento. Y luego están todos los pequeños detalles que nos muestran ese horror, derrota y desesperanza que se incuba en la balsa: hombres heridos y enfermos, figuras muertas semidesnudas y colgantes de la balsa en posturas forzadas, ropas destrozadas o ya inexistentes, tablones sueltos de una balsa que se deshace, armas ensangrentadas por la tarima, el último tonel de agua dulce y, sobre todo, los rostros implorantes, el terror de la muerte, la agonía de intentar ser vistos por esta última esperanza que es ese diminuto e insignificante puntito del horizonte. Porque, tengámoslo en cuenta, el viento que sopla y que hincha la solitaria vela, es un viento de muerte, que arrastra a la balsa en la dirección contraria a la de su salvación.

Detalle (III).

Aunque los humanos queramos comúnmente aprehender para nuestra egoísta tranquilidad los misterios de la vida, y sobre todo de la muerte, por medio del consuelo que proporciona el barniz espiritual y las distintas creencias, la pura verdad es que estos misterios se nos suelen presentar en la mayoría de las ocasiones de forma clara y directa, y siempre incomprensibles. La muerte, la flaca, la parca, las Valkirias, las Nereidas, o como se prefiera llamarla, suele llegar en ocasiones de forma inmediata y fulminante, y entonces se muestra algo compasiva, poco dolorosa, inmisericorde y directa; en otras ocasiones, avisa, y ahora es igualmente irreversible pero despiadada, consume poco a poco, prolonga inevitablemente el dolor, y es siempre dramática, agónica y compartida. Ni que decir tiene que esta última forma de morir es la menos deseada por ser la más cruel y manifiesta. Pero estos importantísimos asuntos humanos de vida y muerte (palabras mayores), nunca se eligen. Nos vienen impuestos por las circunstancias o por los hados, el Destino o, si se prefiere, la Providencia. Y estos náufragos de la Medusa tampoco pudieron elegir. Su drama les vino impuesto por el momento y las circunstancias, y a ellos sólo les quedó interpretar sus papeles. Fueron marinos abandonados a su suerte por un capricho del Destino, a una lenta, inevitable y grotesca agonía. Habiendo visto morir o desaparecer a amigos y compañeros, siendo los últimos supervivientes de una atroz e infernal prueba, en extremo inhumana, y ahora, sus últimas esperanzas de salvación, estaban en la condición de ser visto por ese minúsculo puntito flotante en el horizonte. Y todo esto se nos muestra de manera soberbia, insuperable y magistral, en una única escena cargada de toda esa concentración de sentimientos de supervivencias experimentados. Este cuadro es un milagro de sinceridad y expresión artística pero, sobre todo, es el recuerdo imperecedero de un mayúsculo drama humano.

Detalle (IV).

Sí, este cuadro era una manifiesta denuncia de unos hechos históricos que nunca debieron de producirse y que sólo fueron posibles por la imperfección de las sociedades humanas y por la estupidez de esas incorregibles e intemporales clases sociales privilegiadas que tanto se protegen y amparan, como vemos aquí, hasta los absurdos más inaceptables e irracionales. Así, mientras el cobarde e incompetente vizconde de Chaumereys y todo el noble pasaje diplomático de a bordo pronto se pusieron a salvo en los botes disponible que los llevaron a la seguridad de la costa de Mauritania, son los de siempre, los humildes, los disciplinados marinos, los seleccionados y condenados al inevitable calvario, al sufrimiento, a la muerte y, en la mayoría de las ocasiones, al olvido. Por lo menos nos queda el parco consuelo de que este grandioso y sobrecogedor cuadro nos los recordará para siempre en todo su patético sufrimiento y dolor. Y, permaneciendo en nuestra memoria colectiva, esperemos, nos permita a todos ser capaces de sacar siempre las conclusiones necesarias, acertadas y oportunas para que situaciones tan tristes como éstas no se repitan en las Armadas ni en el mar nunca jamás. Ciertamente, como decimos, este cuadro tiene un enorme valor artístico pero, sobre todo, muestra mucho mayor valor humano y, sin duda, también posee un gran valor como documento aleccionador y enriquecedor. Levantemos nuestras copas amigos del Pecio Alegre y brindemos todos juntos: ¡Por la pintura romántica francesa, por Théodore Géricaut y por los poderosos dioses de los mares de Atlantis!  

“Por muy larga que sea la tormenta, el Sol siempre vuelve a brillar entre las nubes”. Khalil Gibran (1883-1931). Novelista y poeta libanés.

Detalle (V).

MIS OTROS DISCOS (VII): Ocho discos de Oro.

Hola a todos.

Hoy volvemos a compartir nuestros gustos musicales con todos vosotros. Esperamos coincidir con mucho de vosotros, hasta el punto de proporcionaros un pequeño rato distraído. Vamos allá.

 

MIS OTROS DISCOS (VII): Ocho discos de Oro.

Música Pop-Rock.

Sobre gustos no hay nada escrito, dice el saber popular. Si hay miles de seleccionadores nacionales para opinar sobre lo acertado o equivocado de nuestra selección de futbol, exactamente lo mismo ocurre sobre arte, literatura o música, etc., claro. Pero es también en esta libertad de opinión y elección del arte y las aficiones personales en donde se encuentra buena parte de ese singular placer que nos va formando y puliendo para terminar de convertirnos en lo que realmente somos, ¿verdad? Pues bien, este duende, le apetece ahora seleccionar algunos discos destacados de entre los más escuchados asiduamente en nuestro Scriptorium y hablar un poquito de estas joyas musicales que tanto y tan bueno nos han venido dando. Dejando a un lado la música de jazz, pues tenemos un apartado dedicado a este tipo de música, vamos a citar ocho discos de auténtico lujo, ocho discos de oro para nosotros. Pero, claro, también intentando que en nuestra particular selección haya algo de variedad, tanto por estilo como por época, pero siempre predominando la calidad interpretativa, musical y, sobre todo, emocional. Bueno, pues ahí va la primera selección de nuestros discos más escuchados y preferidos. Esperamos que os guste y plazca esta entrega de hoy.

 

 

1/ Frank Sinatra (1915-1998).

Discos: My Way.

Cantante Estadounidense.

Contenido: 10 temas y una duración aproximada de 33 minutos.

Grabación: 1969.

Edición: Reprise Records.

Comentario: En la música contemporánea ha habido muchos y muy destacados vocalistas, pero como Sinatra, como La Voz, ninguno. Frank Sinatra ha sido desde siempre el referente a seguir para cualquier buen cantante. Por su extraordinaria voz, su interpretaciones en directo, su comunión perfecta con la música, en suma, por su calidad musical y profesional. Y este disco que yo conseguí en las ediciones de mi diario, El País, es un claro ejemplo de todo lo aquí dicho. Su música y, sobre todo, su voz os acompaña en nuestro trabajo y nos lo hace todo más grato y llevadero, incluso en los momentos de “apreturas” (y no sólo a nosotros, sino ya a varias generaciones de duendes… ¡ay, lo que mi padre disfrutaba con este tipo!). Este disco nos ofrece media horita nada más, pero es media hora del mejor y más genuino Sinatra, ¡el auténtico!, ese que encandila y enamora para siempre. Su voz es nuestros recuerdos más hermosos y gratos, cómo no le vamos a añorar con cariño y emoción. Y en este hermoso disco está ese Sinatra que todos queremos y admiramos, el perfeccionista, el romántico, ¡el clásico! En fin, no podéis perderos este disco y yo siempre lo recomendaré porque, en mi opinión, es lo menos que podemos hacer los demás mortales para pagar un poco nuestra deuda de agradecimiento hacia su persona. Por siempre jamás y hasta el infinito… ¡Muchas gracias Franky!

Portada.

Frank Sinatra.

Reverso.

  

 

2/ The Simon and Garfunkel.

Disco: Collection.

Dúo Norteamericano: Paul Simon (1941- ) y Arthur Garfunkel (1941- ).

Contenido: 17 temas y una duración aproximada de 51 minutos.

Grabación: Recopilación de 1981.

Edición: CBS Records.

Comentario: Bueno, esta pareja de interpretes creo que marcó toda una época y a toda una generación. Nosotros seguimos escuchando este disco muy habitualmente y siempre, siempre, nos produce buenos y alegres sentimientos y, sobre todo, nostalgias y emociones que nos transportan a nuestro pasado juvenil. ¿Quién no estará de acuerdo en esto? Tal vez los muy jóvenes, pero la mayoría de veteranos, los maduritos y los prejubilados seguro estoy que recordaran este maravilloso disco con nostalgias hermosas y cariño sincero. Sus temas se ha escuchado en radios y emisoras de todo el mundo y desde hace ya casi medio siglo. Este es una hermosura de disco de gran calidad y hermosas melodías que también han sido muy usadas como banda sonora de muy buenas películas. Nosotros le tenemos un cariño muy especial y lo recomendamos como uno de esos discos maravillosos e inolvidables que muchos tenemos grabados a fuego en nuestro corazón y en nuestra grata memoria. Después, con el tiempo, ambos intérpretes tuvieron una vida profesional individual y distante, pero a nosotros siempre nos quedará este magnífico disco y sus temas a dúo, pues gracias a ellos Simon y Garfunkel alcanzaron la cúspide del éxito y la fama en medio mundo. Un disco que no tiene que faltar en ninguna buena discoteca de música pop, es un auténtico clásico entre los clásicos. ¡Garantizado! 

Portada.

Simon and Garfunkel.

Reverso.

 

3/ Eric Clapton (1945- ).

Disco: Unplugged (grabación en directo).

Músico británico.

Contenido: 14 temas y una duración aproximada de 62 minutos.

Grabación: Recopilación de 1992.

Edición: Reprise Records.

Comentario: ¿Qué puede añadir este pobre aficionado del gran Eric Clapton? Poco, ¿verdad? A los que nos gusta este músico británicos, nos parece único e insuperable: buenas letras, excelente música, virtuoso de la guitarra y magníficos conciertos, por no hablar de el elenco de extraordinarios músicos con los que ha compartido escenarios y conciertos, ¡un maestro de maestros! Este extraordinario disco grabado en directo y por el que obtuvo los premios Grammys de mejor intérprete solista del año y mejor álbum en el año 1993, es una auténtica obra maestra imperecedera e inolvidable, que recoge buenos temas y éxitos inolvidables de su prolífico repertorio. Yo, personalmente, disfruto de este maravilloso disco cada vez que lo escucho con renovada satisfacción y impoluta admiración, para qué voy a negarlo. A Eric Clapton, este duende le debe mucho, le debo mis momentos musicales más íntimos y enriquecedores, a su música y a su persona, como virtuoso y músico, le debo buena parte de mi, bueno, regular o malo, gusto musical. Tengo muchos de sus discos (no todos, claro), los suficientes para significarme como uno de sus muchos incondicionales admiradores y fieles seguidores. Que cada cual se incline por su tipo de música preferida y por sus intérpretes favoritos, pero este duende siempre destacará por encima de muchos a su santo musical preferido: ¡larga vida para San Eric Clapton de Surrey!

Portada.

Eric Clapton.

reverso.

 

 

4/ Triana (1974-1983).

Disco: Hijos del agobio.

Grupo Ándalus de Rock: Jesús de la Rosa Luque (voz y teclados – 1948-1983); Eduardo Rodríguez Rodway ( Voz y guitarra – 1945- ); Juan José Palacios, “Tele” (batería y percusión – 1943-2002).

Contenido: 8 temas y una duración aproximada de 66 minutos.

Grabación: 1977.

Edición: Dro East West.

Comentario: A finales de la década de los setenta y principios de los ochenta del siglo pasado (sí, qué pasa, “el siglo pasado”. Para un duende pasan los siglos como para los humanos los lustros, rapiditos y sin canas), todo aquél que viajara por la tórrida Andalucía disfrutaba de sus paisajes, de sus viandas, de sus caldos, de sus gentes y sufría con resignación “esa caló que asfizia, mi arma”. Pero todo lo llevamos bien porque al atardecer, en una de esas frescas terracitas del arrabal o de la plaza, nos echábamos entre pecho y espalda unas cervecitas fresquitas o unos deliciosos “finos” mientras nos envolvía las voces y melodías de nuestros queridos y añorados Triana (ay, amigos, qué noches las de Granada, las de Córdoba, las de Málaga o, claro, las de Sevilla. No puedo evitar volverme un poco nostálgico y triste al pensar que todo aquello ya no lo viviré con la misma intensidad y emoción. En fin, cosas de duende). Triana es un grupo soberbio e inolvidable. Un grupo de referencia, que ha marcado a muchos otros conjuntos que han venido después y que han sabido beber de su calidad y originalidad (incluso hoy día, oyendo a los conciertos de los divertidos e irreverentes Mojinos Escozíos y a su provocador vocalista Er Sevilla, uno tiene la sensación de escuchar mucho de Triana, la verdad). Un disco llenos de voces profundas y arrastradas, de ritmos rockeros de Al-Ándalus, todo él muy singular y hermoso. Por todo ello, este disco es para mí una de las grandes obras musicales del rock español de todos los tiempos. Creo, sinceramente, que es un disco irrenunciable y a destacar en toda discoteca de buena música rock que se precie. Y terminaré diciendo, con musho cariño pero con rotundidad, que al que no piense igual que este duende, al que no le guste la música de Triana y no desee disfrutar de sus emociones y sentimientos, pues eso… ¡que le parta un rayo, que se lo merece, Ozú!

Portada.

Triana.

Reverso.

 

 

5/ Carlos Santana (1947- ).

Disco: Abraxas.

Músico mexicano.

Contenido: 12 temas y una duración aproximada de 51 minutos.

Grabación: 1998.

Edición: Sony Music.

Comentario: Otro enorme músico de mis años mozos, que añoro y siempre escucho con emoción y renovada alegría. Nadie, en la historia del rock y la música latina,  como nuestro Carlos Santana ha sabido sacarle todo le mejor y más hermoso a la guitarra eléctrica (bueno, tal vez el gran Jimmy Hendrix. Pero eran registros muy distintos). Este disco que yo recomendaré siempre es una preciosidad que contiene todos los buenos y magníficos registros de esa música latina y caribeña que tanto me llega y emociona. Casi una hora de sus mejores y más asombrosas interpretaciones para el disfrute del personal y para repetir y repetir su audición siempre con renovada satisfacción y regusto musical. Un disco revitalizante, lleno de energía y virtuosismo, muy alegre y a su vez muy hermoso. Carlos Santana ha llenado gratamente de buena música y humanas emociones a varias generaciones de jóvenes vitales y felices. Su música siempre nos parece nueva y sorprendente, su guitarra parece hablarnos en el lenguaje universal de la armonía y la felicidad. Sólo por eso, este disco suena y suena en nuestro obrador de escritura y conocimiento, no nos distrae sus melodías, todo lo contrario, nos empuja y nos hace trabajar mucho más alegres y productivos. Por todo ello manifestamos nuestro sincero agradecimiento al gran Carlos Santana y sólo nos queda decir que… ¡Samba pa el Scriptorium, samba pa ti y samba pa tos!

Portada.

Carlos Santana.

Reverso.

 

 

6/ Annie Lennox (1954- ).

Disco: Medusa.

Cantante escocesa.

Contenido: 10 temas y una duración aproximada de 46 minutos.

Grabación: 1995.

Edición: BMG- Ariola.

Comentario: Otro de nuestro discos explotados y archiescuchados. Una voz hermosa y muy sugerente la de esta vocalista escocesa, que la sitúa, en nuestra opinión, entre las mejores voces de siempre. Y este disco suyo contiene temas soberbios y muy hermosos que fueron indiscutidos éxitos de venta y audiencia en su momento. Es un disco que siempre escuchamos con gozo y satisfacción. Annie Lennox, con su melodiosa voz y alegre música, nos tiene totalmente cautivados y enamorados hasta conseguir nuestra entrega sincera y nuestra total admiración. Temas suyos de este disco como no more “i love you’s”, A whiter shade of pale o Downtown lights, son ya unos clásicos dentro de la música pop del siglo XX. En fin, que por todo esto pensamos que este maravilloso disco tenía que figurar entre estos ocho discos de oro de nuestro musical Scriptorium. Seguro estoy que su aportación a esta reducida lista será dela grado de una buena parte de nuestros amigos y seguidores, no sólo por su extraordinaria calidad profesional, sino también por su singularidad (se nos antoja muy difícil de repetir un disco tan “redondo”), oportunidad y hermosura musical. Bueno, lo de siempre, otro de esos extraordinarios discos para no perderse ni dejar de escuchar de vez en cuando; aunque solo sea para manifestar a los cuatro vientos que estos escoceses tienen algo más de muy bueno que ofrecer al resto del mundo además de ese delicioso y embriagador whisky de las Highlands.

Portada.

Annie Lennox.

Reverso.

 

 

7/ Gabinete Caligari (1981-1999).  

Disco: Los singles.

Grupo de rock madrileño. Jaime Urrutia (1958- ); Fernando Presas, Ferni (1957- ); Eduardo Calvo, Edi (1958- ).

Contenido: 12 temas y una duración aproximada de 40 minutos.

Grabación: Recopilación de temas entre 1981-86.

Edición: Warner Music.

Comentario: Después de la muerte de Francisco Franco en España se inició un periodo conocido como la época de la Transición. Muchas cosas en este país explotaron y salieron despedidas a presión como tapón de cava. Una de ellas fue la renovada libertad de los jóvenes que descubrieron de golpe nuevos asuntos y nuevas experiencias, sin pausa y sin control, unas generaciones que pasaron del futbolín y los billares, al sexo, la pornografía, el rock y las nuevas “perversiones”. Así, en Madrid, nació lo que se conoció como “los años de La Movida”. Y cada vez que se habla de esto uno piensa en Almodovar, Alaska y los pegamoides, el Gran Wayoming y otros grupos de gomina, tupé y guitarras eléctricas. Y, este duende, siempre piensa en la movida madrileña cuando le viene a la mente este magnífico grupo: nuestros añorados y muy escuchados Gabinete Caligari. Aquí en este disco tenemos todos aquellos singles que nos empujaron a ser algo diferentes, que nos arrojaron gustosamente a la litrona compartida y a otros innombrables pequeños vicios, a nuestros primeros amores y a nuestras primeras explosiones de placenteras tracas underground. En fin, qué buenos recuerdos de duende carcamal. Pero, si uno lo piensa bien, nos sentimos muy afortunados por haber vivido feliz e intensamente aquella singular movida liberalizadora y explosiva. Yo siempre escucho a mis amigos de Gabinete Caligari cuando quiero rejuvenecer sin cirugías ni grandes costos. Aunque, la verdad, este disco siempre me parecerá del todo “impagable”, y esto es así aunque sólo sea por poder haber disfrutado, en el momento justo y en el lugar apropiado, en aquellos pequeños antros musicales de neblina tabaquil y deliciosa atmosfera de libertad, de aquel inolvidable y muy vivido… El calor del amor en un bar.

Portada.

Gabinete Caligari.

Reverso.

 

 

8/ Presuntos Implicados.

Disco: Ser de agua.

Grupo de pop español: Sole Giménez (1963- ); José Luis Giménez (1959- ); Nacho Mañó (1953 – ).

Contenido: 13 temas y una duración aproximada de 53 minutos.

Grabación: 1991.

Edición: Warner Music.

Comentario: Para terminar hoy quiero recomendar un disco verdaderamente hermoso y extraordinario como ningún otro. La voz de Sole Giménez desde este extraordinario trabajo nos enamoró perdidamente y nos cautivó con aquellas hermosas letras y extraordinaria música, nos cantó lo que en su momento nos pareció que todos queríamos escuchar: melodías nuevas, modernas y cercanas, en suma, el pop más asombroso y elegante que este duende ha escuchado nunca dentro del panorama musical español. Este disco fue un autentico éxito de ventas, público y crítica, pero es que no podía ser de otra forma. Quien, al llegar a casa, se ponga cómodo, una copa de su brebaje preferido, este hermoso disco, y no sea capaz de desconectar, relajarse y sonreír a la vida y al mundo entero, que con su audición no se sienta transportado a otro universo más emocional y hermoso, pues eso, un tipo así no nos deja otra que afirmar que no tiene sangre en las venas y posee menos sensibilidad humana que un ciber de Andrómeda. Escuchar con la atención y el cariño que este disco se merece y ya no podréis renunciar ni renegar nunca de este buen grupo y de su magnífica música. Un extraordinario grupo de Yecla, que desde Valencia, nos ha llenado de buena música y buenos sentimientos, por todo ello siempre será uno de nuestros preferidos y recomendados dentro del panorama del pop español, aunque desde entonces… Como hemos cambiado. En fin, Presuntos Implicados es, sin duda, otro de esos valores seguros como adquisición para nuestra particular y brillante discoteca personal. Os lo garantizo.

Portada.

Presuntos Implicados.

Reverso.

 

“Adoro los placeres sencillos; son los últimos refugios de los hombres complicados”. Oscar Wilde (1854-1900). Novelista y dramaturgo irlandés.

Caricias de amor y pasión.

MIS DISCOS DE JAZZ (IX): SAXO ALGO MÁS ACTUAL.

Hola a todos.

Demos hoy un salto cuantitativo en el tiempo jazzístico, aunque siempre será muy relativo en cuanto a calidad y gusto musical.

 

MIS DISCOS DE JAZZ (IX): SAXO ALGO MÁS ACTUAL.

 

Estilo Jazz.

En nuestra anterior entrega hablamos de ocho grandes figuras del mejor saxofón clásico del Jazz (aunque siempre tendremos que pedir disculpas por las inevitables omisiones, de antes y de hoy, pues nuestro formato de post nos obliga a dejar fuera en estas primeras entregas a otros muchos grandes músicos destacados, claro. En fin, ya tendremos tiempo para ir corrigiendo esas injustas omisiones, si así lo disponen los Hados y, tan importante o más, nuestro tiempo libre). Hoy os recomendamos otros ocho grandes intérpretes del saxofón, pero mucho más recientes y actuales. Todos estos músicos vivieron y experimentaron las influencias de aquellas grandes figuras que les precedieron, se empaparon de sus innovaciones y genialidades y, cimentados sobre esos ejemplos y sobre una sólida formación técnica y profesional, nos han ofrecido varios magníficos escalones evolutivos más dentro de la historia del jazz. En estas entregas de hoy podremos encontrar un poco de todo: Post Bop, Jazz latino, Free Jazz, Funky Jazz o Jazz Fusión. Y todo esto interpretado por un elenco de saxofonistas maravillosos de reconocida calidad y fama internacional. Vamos, que hoy no arriesgamos nada en absoluto.

Famosa y simpática virtuosa del saxofón.

Pero, claro, el peso norteamericano en este tipo de música es manifiesto e incontestable. Hoy recomendamos a un enorme saxofonista argentino y a otro maravilloso músico de Noruega, pero los seis restantes son Made in USA. Ahora bien, con esta selección creo que hemos garantizado la diversidad de melodías y estilos, además de conseguir una deseable uniformidad de calidad y de garantizar muy buena música. Por supuesto, se echará en falta a otros grandes saxofonista pero, como ya hemos indicado, ya tendremos tiempo y ocasión para ir añadiendo buenos músicos a nuestra recomendaciones jazzísticas desde nuestro musical Scriptorium. Que si San Pedro de Roma no se hizo en dos días, un buen oído de Jazzmen también requiere horas, discos, interpretes y algún que otro vasito de buen whisky. Pero, como se suele decir en Ávalon, “palos a gusto no duelen ni cansan”. Con relajada paciencia, entregada atención y un poco de constancia, todos, estoy seguro, llegaremos a ser buenos entendidos y a disfrutar de lo lindo con nuestra particular (aunque modesta, supongo) discoteca del más asombroso y genial Jazz. Bueno, menos cháchara de duende parlanchín. Ahí va nuestra nueva entrega de brillantes y luminosos saxofones de los dioses.

 

 

1/ Gato Barbieri (1932- ).

Discos: El Momento (Finest Hour).

Saxo tenor argentino.

Contenido: 10 temas y una duración aproximada de 62 minutos.

Grabación: Recopilación de 2000.

Edición: Verve Music Group – El País.

Comentario: Gato Barbieri es un soberbio saxofonista argentino que ha bebido de fuertes influencias de John Coltrane, Pharoah Sanders y, sobre todo, de Carlos Santana. Sus ritmos son alegres y encendidos, acelerados y muy latinos. Este disco nos recuerda mucho los discos de Carlos Santana. Es una recopilación maravillosa, un claro ejemplo del mejor jazz latino. Con todos esos instrumentos propios que este estilo suma a los habituales del grupo de jazz: timbales, guitarras eléctricas, percusiones varias, etc. Y por encima de todos estos instrumentos el saxo tenor de un asombroso y espectacular Gato Barbieri, que nos hace disfrutar de esta audición de forma única e inolvidable. Encuentro este trabajo en todos sus temas muy completo y de una calidad soberbia y muy equilibrada; pero yo quisiera destacar dos temas que siempre me han emocionado y sobrecogido (además de traerme recuerdos hermosos, que también), dos temas lentos para ambientes enamoradizos: Europa (Earth’s cry heaven’s smile) y Latin Lady; creo que son dos obras maestras intemporales de la historia del mejor jazz latino o, si se prefiere, del más puro jazz romántico. En fin, que Gato Barbieri es un intérprete singular e irrepetible que ha hecho mucho, muchísimo, porque todos queramos un poco más al Jazz y al maravilloso saxofón. Nunca, este duende, y otros muchos buenos aficionados, le estaremos lo suficientemente agradecidos por su buen hacer y maravillosa profesionalidad.

Portada.

Gato Barbieri.

Reverso.

 

 

2/ Wayne Shorter (1933- ).

Disco: Alegría.

Saxo soprano y tenor estadounidense.

Contenido: 10 temas y una duración aproximada de 57 minutos.

Grabación: Año 2003.

Edición: Verve Music Group – El País.

Comentario: Realmente, no creo que exista un músico con una carrera tan brillante y asombrosa como Wayne Shorter. Es una figura destacada de los movimientos Post Bop, Hard Bop, Jazz acústico y eléctrico, Jazz Fusión e incluso en algunos momentos Funky Jazz. Y sus colaboraciones musicales nos dejan noqueados: ha tocado con figuras de la talla de Horace Silver, Art Blake y sus Jazz Messengers, Miles Davis, Milton Nascimento, Freddie Hubbard, Herbie Hancock, los Rolling Stone o Carlos Santana. Por si esto fuera poco, es uno de los fundadores, junto con Joe Zawinul y Moroslav Vitous, del mítico grupo de Jazz Fusión y eléctrico, Weather Report. Ha obtenido un total de 8 premios Grammy y varios galardones más de alto prestigio y valor (por ejemplo, en el año 2007 recibió el premio Donostiako Jazzaldia del Festival de Jazz de San Sebastian). En fin, que no descubrimos nada si os manifestamos que este músico es uno de los más grandes de la historia del Jazz y, sobre todo, uno de los más versátiles y de unos registros más heterogéneos. Tocó el clarinete en sus inicios, pero más tarde desarrolló su exitosa carrera como instrumentista del saxo tenor y soprano. Y Wayne Shorter nos ofrece registro diferentes según toque uno u otro de estos saxofones: si el tenor, sus melodías son más estrictas y metódicas; si el soprano, más líricas, emotivas y sensibles. Y de todo esto tenéis constancia en este maravilloso disco que os recomendamos. Diez magníficos temas y casi una hora del más genuino y asombroso saxofón de una celebridad deslumbrante del mejor Jazz. ¿Qué más se puede pedir?

Portada.

Wayne Shorter.

Reverso.

 

 

3/ George Coleman (1935- ).

Disco: My horns of plenty.

Saxo tenor, alto y soprano estadounidense.

Contenido: 6 temas y una duración aproximada de 63 minutos.

Grabación: Año 1991.

Edición: Verve – Universal Music.

Comentario: George Coleman para este duende, sin ninguna duda, es el mejor de todos los saxofonistas posibles para empezar a educar el oído en este instrumento y en su maravillosa sonoridad. Él siempre admiró y tuvo como referente al gran Charlie Parker, pero su estilo es algo menos impulsivo y menos visceral. Su forma de tocar es sobria, clásica, académica y elegante; de ahí que piense que es el mejor para iniciar correctamente una buena afición al saxofón. Y George Coleman los toca casi todos, es decir, toca el saxo alto y el soprano, además de “el suyo”, el tenor. Desde mediados de la década de los setenta del siglo pasado Coleman dispone de sus propios grupos y de una agenda de actuaciones igualmente propia. Pero hasta esos momentos nuestro saxofonista tuvo una formación de los más brillantes y rica: fue compañero de Max Roach, Miles Davis y Herbie Hancock, de Lionel Hampton o Elvis Jones. En fin, que con semejantes compañías musicales no podía ocurrir otra cosa que un natural y espontáneo aprovechamiento enriquecedor y espectacular; y el resultado de todo esto fue otro gran músico para la ya rica historia del saxofón y del Jazz. Aquí en este estupendo disco tenemos más de una hora de su mejor música, con interpretaciones hermosas, románticas, sugerentes y embriagadoras. Escuchando este precioso disco se nos pasará el tiempo sin darnos cuenta, de forma grata y amena, entre ensoñaciones placenteras. Siempre será un tiempo vivido con intensidad, emociones y… ¡armonías jazzísticas!, será uno de eso breves momentos que nos alegran y endulzan la vida. Os lo garantizo.

Portada.

George Coleman.

Reverso.

 

 

4/ Grover Washington Jr. (1943-1999).

Disco: The best is yet to come.

Saxofonista estadounidense.

Contenido: 8 temas y una duración aproximada de 40 minutos.

Grabación: Año 1982.

Edición: Electra/Asylum Records.

Comentario: Grover Washington Jr murió a los 56 años de de un infarto de miocardio en el propio estudio de grabación, por lo que se podría decir que su vida artística fue relativamente corta. Pero bien aprovechada, desde luego. Desde sus ocho años, cuando su padre le regaló su primer saxofón, este extraordinario músico no dejó de crecer y de sorprendernos ni por un instante. Su música se podría encuadrar en varias corrientes: Jazz Fusión, Soul Jazz, para ir derivando a lo que se ha conocido como Smooth Jazz, que no es otra cosa que un crisol musical en donde se mezclan algo de Soul, Pop ligero, Funk e incluso Blus. De hecho, se tiene a nuestro saxofonista de ahora, junto con George Benson y David Sanborn, como los iniciadores de esta corriente musical del Smooth Jazz. Y un muy digno y destacado seguidor de su estilo de música es el afamado Kenny G, con sus melódicas sintonías y sus románticas bandas sonoras. Grover Washington Jr ha ganado a la largo de su carrera dos premios Gremmy y varios galardones más, lo que siempre nos avalará su enorme talento y calidad. Este disco de hoy es una preciosidad de ritmos elegantes que, en varios temas, se acompañan de hermosas voces, pero siempre destacando la singular voz cantarina y melódica del extraordinario saxo de nuestro virtuoso interprete. Bueno, pues eso, que es una apuesta segura y un disco cinco estrellas, que nos empujará a escucharlo repetidas veces, y siempre obtendremos de él un renovado placer y una garantizada satisfacción. Muy recomendable por soberbio y maravilloso.

Portada.

Grover Washington Jr.

Reverso.

 

 

5/ Maceo Parker (1943- ).

Disco: Dial: Maceo.

Saxo Alto, tenor, barítono, flautista y cantante estadounidense.

Contenido: 13 temas y una duración aproximada de 55 minutos.

Grabación: Año 2000.

Edición: EFA Medien.

Comentario: Maceo Parker se dio a conocer en la prestigiosa banda del histriónico James Brown. Para más tarde, tras abandonar la banda de James Brown, compartir con otros ilustres compañeros, como fueron el también saxofonista y compositor Pee Wee Ellis y el trombonista Fred Wesley o el cantante y productor George Clinton, proyectos nuevos y renovados pero que los podríamos encuadrar siempre en la línea del Jazz-Funk o el Soul Jazz. Desde principio de la década de los noventa del siglo pasado, comenzará a tener sus grupos y proyectos propios, e inmediatamente irá obteniendo un reconocimiento y éxito merecido por parte de un público entendido y agradecido. Su estilo saxofonista recuerda a otro grande del saxo tenor, a King Curtis. Sus ritmos son vivos, frescos, atrevidos, puro funk y algo de introvertido y melódico Soul. Su éxito personal le ha llevado a participar en proyectos de un camaleónico genio musical: Prince. Este disco que ahora recomendamos es una auténtica maravilla de casi una hora, donde apreciaremos lo mejor del virtuosismo de Maceo Parker, con temas alegres y frenéticos y otros más reposados y románticos. En fin, un popurrí variado de calidad y muy buena música para todos los gustos y para todos los estados de ánimo. No os lo podéis perder.

Portada.

Maceo Parker.

Reverso.

 

 

6/ Jan Garbarek (1947- ).

Disco: Officium – con The Hilliard Ensemble.

Saxo tenor y soprano noruego.  

Contenido: 15 temas y una duración aproximada de 77 minutos.

Grabación: Año 1993.

Edición: ECM Records.

Comentario: Este maravillo disco pienso que no podríamos describirlo como un disco de Jazz. Pero me da lo mismo. Es un disco singular, soberbio, sorprendente y espléndido. En suma, Jan Garbarek es un músico saxofonista extraordinario, muy profesional y que siempre nos ofrece un sonido claro y melancólico, un sonido muy grato y cautivador. Si bien es cierto que ha participado en gran cantidad de proyecto de Jazz y con extraordinarios compañeros (por mencionar a algunos de ellos: Keit Jarrett, Moroslav Vitous, Charlien Haden, Ralph Towner o Bill Frisell), también lo es que no se ha ceñido a este estilo únicamente y su música nos ha ofrecido otros buenos discos donde interpretaba temas hindús, música de cámara clásica e incluso temas de música sacra del Renacimiento. Este disco, Officium, es uno de estos últimos discos. El sonido limpio y claro, destacado y luminoso, del saxofón de nuestro intérprete sobrevuela las hermosas voces de los cantos gregorianos del coro The Hilliard Ensemble, para llevarnos a un estado anímico de sobrecogimiento e introspección, a una especie de catarsis espiritual muy placentera. Éste es uno de esos sorprendentes discos que tanto nos gustan a los duendes y que nos ayudan sobremanera a alejarnos del mundo real para introducirnos en esos otros mundos más personales, alucinantes e imaginativos. Bueno, pues eso, que éste no es un disco de Jazz propiamente dicho, pero es un escape asegurado, un descanso de guerrero, una desconexión momentánea de las responsabilidades y realidades que nos acompañan de diario en nuestro particular peregrinaje existencial. Y todo ello gracias a la magia sencilla y hermosa de unas cálidas voces y de un saxofón único y asombroso, en manos de un virtuoso sincero y apasionado: un noruego universal y muy humano, el admirado maestro Jan Garbarek.

Portada.

Jan Garbarek.

Reverso.

 

7/ Bill Evans (1958- ).

Disco: Escape.

Saxo tenor, soprano y clarinetista estadounidense.

Contenido: 13 temas y una duración aproximada de 74 minutos.

Grabación: Año 1996.

Edición: Escapade Music.

Comentario: Este músico es y será siempre “el otro Bill Evans” del jazz (aunque no tiene ningún parentesco con el famoso pianista del que ya hemos hablado varias veces por aquí, en el Scriptorium). Empezó a destacar como músico formando parte durante cinco años del la banda del mítico Miles Davis. Para más tarde formar parte de grupos de Jazz Fusión y experimental como Elements o Petite Blonde. Pero, como suele ser habitual en los grandes intérpretes, ha terminado teniendo su propio grupo y sus particulares proyectos. Y Bill Evans siempre ha sido muy heterogéneo en su música y hasta en su técnica. Con el saxo tenor es mucho más agresivo, robusto y atrevido, mientras que con el saxo soprano se nos muestra más técnico, virtuoso, intimista y delicado. Y en cuanto a tendencias, igual de variedad. Se le considera un músico fundamental en la corriente de Jazz Fusión y en ella se le encasilla, pero lo hemos visto tocar Funk, Hip-Hop y hasta Reggae. Diremos algunos de los nombres con los que ha compartido escenarios y grabaciones para que os hagáis una idea de la altura de su talento: Miles Davis, Mik Jagger (Rolling Stone), Herbie Hancock, Lee Ritenour, David Sanborn o Mark Egan, por mencionar a unos pocos. En este disco de hoy su saxo nos ofrece melodías de Jazz Fusión, muy pausado y melódico, y también, en algunas pistas, de puro Hip-Hop, frenético y atrevido. En suma, un saxofón muy brillante y destacado es lo que podemos escuchar en este magnífico disco, que nunca defrauda y que nos muestra el virtuosismo de una de las figuras actuales más brillantes y asombrosas del panorama jazzístico. Bill Evans siempre es garantía de su saxo genial con un buenísimo grupo a su misma altura y, en consecuencia, de la mejor música que se puede escuchar. Os lo aseguro.

Portada.

Bill Evans.

Reverso.

 

 

8/ Branford Marsalis (1960 – ).

Disco: Contemporary Jazz.

Saxo soprano y tenor estadounidense.

Contenido: 7 temas y una duración aproximada de 73 minutos.

Grabación: Año 2000.

Edición: Sony Music.

Comentario: Branford Marsalis es, como músico, la muy lógica consecuencia de una familia muy musical. Su padre, Ellis Marsalis Jr.,  fue un pianista famoso que se preocupó de inculcar a sus hijos el gusto y el amor por la música. Así, de seis hermanos, cuatro le salieron músicos de Jazz: Wynton Marsalis (trompeta), nuestro Branford Marsalis (saxofones), Delfeayo Marsalis (trombón) y Jason Marsalis (batería). Sus influencias inmediatas hay que buscarlas en Wayner Shoter, y las más profundas en John Coltrane. Nuestro saxofonista también ha participado en grabaciones y colaboraciones de enorme prestigio y calidad: ha tocado con Miles Davis, Sting, Phil Collins, Kenny Kirkland o Bruce Hornsby. Por este disco que hoy recomendamos recibió en el año 2000 el premio Grammy al Mejor Álbum instrumental de Jazz. Y, la verdad, ciertamente fue un premio muy merecido y justo. En este disco tenemos una música muy intimista, envolvente y hermosa. Un extraordinario cuarteto de estupendos músicos del mejor Jazz de su época, con Branford Marsalis en los saxofones, Joey Calderazzo en el piano, Jeff “Tain” Watts en la batería y Eric Revis en contrabajo. Y, consecuentemente, esta banda nos ofrece un magnífico trabajo que nos deleita, nos embruja y captura con su calidad y buena música. Y, sí, me repito pero es lo que toca (nunca mejor dicho), este disco es otra de mis apuestas seguras para cualquiera buena discoteca de Jazz que se precie.

Portada.

Branford Marsalis.

Reverso.

 

 

“El Jazz es como el vino. Cuando es nuevo, es solo para expertos; pero cuando envejece, todo el mundo lo quiere”. Steve Lacy (1934-2004). Saxofonista estadounidense.

Saxo Jazz.

UN SENTIMIENTO IRRENUNCIABLE Y VITAL: ABRIL REPUBLICANO.

Hola a todos.

Hoy queremos dedicarles este artículo a todos aquéllos que no quieran indolente e injustamente olvidar un justo propósito, a todos los que compartan con nosotros a título personal estas ensoñaciones políticas, democráticas, nobles como la que más y siempre progresistas.

UN SENTIMIENTO IRRENUNCIABLE Y VITAL: ABRIL REPUBLICANO.

“En la bandera de la libertad bordé el amor más grande de mi vida”. Federico García Lorca (1898-1936).

El 14 de Abril del año 1931 un rey Borbón, Alfonso XIII, abandonaba España para dar paso a la Segunda República Española y a su nueva y deseada Constitución. Esta Constitución era ya por entonces de las más progresistas y avanzadas de toda Europa. Por mencionar algunas de sus disposiciones: Igualdad de TODOS los españoles antes las leyes y el Gobierno, pues los españoles formaban una República de trabajadores de toda clase; España sería una nación laica, realmente laica, en la que la religión quedaban fuera del gobierno y la enseñanza (es decir, sus dogmas de Fe irracionales, sus influencias intransigentes y sus actitudes maniqueas quedaban manifiestamente oscurecidas y aparcadas de la vida civil y docente. Cosa esta, la racionalización y el enfoque científico de la sociedad, quiero decir, que no está nada mal y, seguro, que nos hubiera hecho ganar un tiempo precioso en la historia y en el mundo, pienso); o se establecía un real y auténtico sufragio universal en el censo español (las mujeres ejercieron su derecho a voto por vez primera en el año 1933). Pero aquella República tuvo sus días contados por la reacción brutal y bárbara de las enrabietadas oligarquías civiles, militares y religiosas de su época. Una guerra civil despiadada, salvaje y cruenta (que a algunos iluminados les dio por llamar Cruzada) acabó de forma dramática con el muy digno y justo sueño republicano del pueblo español y se le condenó a cuarenta años de autarquía, ostracismo internacional, oscurantismo, represión y censura, y a un manifiesto atraso social, educacional, científico y político.

Alegoría (I).

El progresismo de nuestros abuelos.

Alegoría (II).

Hoy en España tenemos de nuevo a los Borbones en el trono (a los que se les respeta y acepta, hasta que la Historia y los Hados -o la Providencia, si se prefiere- quieran) y nos gobernamos por medio de un sistema político que se conoce como Monarquía Parlamentaria, con participación  de políticos de todos los gustos y tendencias y con elecciones democráticas y libres cada cuatro años. Y, para ser justo, debemos de reconocer que con este grado de libertad no nos ha ido nada mal desde la muerte de aquel inolvidable (muy a nuestro pesar) caudillo salvapatrias. Pero, claro, siempre estaremos estos incorregibles, nostálgicos y, para algunos, insufribles republicanos que pensamos sinceramente que todavía se puede mejorar nuestra España de hoy. Y mucho. Pues el pensamiento político que anida en nuestro buen entender republicano, y al que nunca podremos renunciar pues la esencia de nuestro ideal político, nos dice que el sistema monárquico es un irracional y lamentable anacronismo del siglo XXI, plasmado en unas figuras clasistas, trasnochadas y decorativas, además de ser instituciones algo oscuras y siempre bastante caras. Y puesto que se sigue siendo Rey de España (o de cualquier otro lugar) por la muy cuestionable gracia de un Dios muy caprichoso (y pienso que para nada se demuestra que infalible), y como seguimos pensando que la única nobleza humana es la de espíritu y el carácter, y estas virtudes no se heredan y se demuestra día a día en esta vida, que como además nunca aceptaremos esas otras noblezas heredadas de clase o impuestas por una rancia tradición irracional o el capital segregador de los pueblos, pues eso, que muchos de nosotros seguiremos siendo republicanos hasta el fin de nuestros días. No desearemos nunca renunciar ni olvidar el progresismo de nuestros abuelos, ni el valor y sacrificio de tantos y tantos republicanos que lucharon y creyeron, de forma totalmente honesta y sincera, en un mundo mejor y más justo para sus hijos y nietos; un mundo que no podía darse en ninguna otra parte ni en ningún otro escenario que no fuera la Republica Española. Este post de hoy va por todos ellos, por su memoria y por su sacrificio, y también para todos los que sientan y luchen de manera honesta y sincera por los ideales republicanos de Libertad, Igualdad y Fraternidad. Pues este duende os dice, igual que dijo Don Manuel Azaña (1880-1940): “yo quiero republicanos para la Tercera Republica Española”.

Explosión republicana de un pueblo libre.

Alegoría (III).

Sufragio Universal Republicano (el voto femenino…¡las mujeres cuentan!).

“A vosotros los políticos os hemos formado en interés del Estado tanto como en el vuestro, para que seáis en nuestra República nuestros jefes y vuestros reyes”. Platón (428-348 a.c.). Filósofo griego.

“La libertad no la tienen los que no tienen su sed”. Rafael Alberti (1902-1999). Poeta y político español.

“La libertad no hace felices a los hombres, los hace sencillamente hombres”. Manuel Azaña (1880-1940). Presidente de la Republica Española.

“No te hieran por la espalda, vive cara a cara y muere con el pecho ante las balas, ancho como las paredes”. Miguel Hernández (1910-1942). Poeta español.

Niceto Alcalá-Zamora (1877-1949). Presidente de la República de España.

Hermosa bandera.

Manuel Azaña (1880-1940). Presidente de la República de España.

“Si los españoles habláramos sólo y exclusivamente de lo que sabemos, se produciría un gran silencio que nos permitiría pensar”. Manuel Azaña (1880-1940). Presidente de la Republica Española.

“La moral se esgrime cuando se está en la oposición; la política, cuando se ha obtenido el poder”. José Luis Aranguren (1909-1996). Filósofo español.

“Los políticos son como los cines de barrio, primero te hacen entrar y después te cambian el programa”. Enrique Jardiel Poncela (1901-1952). Escritor español.

“Una gran democracia debe siempre progresar o pronto dejará de ser o grande o democracia”. Theodore Roosevelt (1858-1919). Presidente de la República de los Estados Unidos de América.

 

14 de Abril, día de la República Española.

La República laica de las letras y la cultura.

 

“La política es el arte de aplicar en cada época aquella parte del ideal que las circunstancias hacen posible”. Antonio Cánovas del Castillo (1828-1897). Político y escritor español.

República Española. Un sentimiento irrenunciable y vital.

MIS OTROS DISCOS (VI): Cita en las islas Azores (III).

Hola a todos.

De nuevo otra cita de buenos discos en las hermosas islas Azores. Pero hoy se dan allí cita para cantarle a la Paz y a la alegría unos cuentos buenos grupos y una considerable tropa de mejores músicos.

 

MIS OTROS DISCOS (VI): Cita en las islas Azores (III).

 

Esas bandas de las Azores: Música, Gloria y Paz.

Aquí estamos de nuevo con otra de nuestras imaginadas citas musicales. En esta ocasión quienes acuden a alegrarnos la ocasión y a contribuir a nuestra particular cruzada incruenta de Paz y alegría son un conjunto de muy buenas bandas de música y una tropa de mejores músicos. Estamos seguros que participarían gustosamente en nuestros alegres encuentros y que harían gala de ese espíritu pacifico y vitalista que hasta ahora hemos mantenido con todos nuestros invitados anteriores. Pero es que además, estamos seguros, todos estos fenomenales músicos tendrían entre ellos en común, no sólo su amor a la buena música, sino también otras muchas facetas humanas y encomiables, lo que tendría como consecuencia inmediata el nacimiento de toda una serie de buenas y sinceras amistades de conciertos y alegres parrandas. No nos cabe ninguna duda. Empezamos nuestras recomendaciones de hoy con todo un grupo pop clásico de los Estados Unidos y terminamos con otra banda de pop norteamericana algo más actual pero de enorme calidad. Y entre ambas bandas, buscando siempre la variedad enriquecedora que nos caracteriza, pues eso, un poco de todo: algo de música rock, alocada disco, alegre samba e incluso algo de celta. En fin, espero que nuestra selección os agrade y deleite, pues creemos sinceramente que nuestra nueva cita de las Azores os ofrece ocho magníficos discos. 

 

1/ Eagles.

Discos: The best of…

Grupo Estadounidense.

Contenido: 13 temas y una duración aproximada de 59 minutos.

Grabación: Recopilación de 1985.

Edición: WEA – Warner Music.

Comentario: Comenzamos nuestras recomendaciones de grupos con uno que es todo un clásico en la música rock-country norteamericana. Pero, pensamos, no podía ser de otra forma. Eagles siempre ha sido ese grupo que nos ha producido sentimientos pacíficos y ensoñaciones de libertad, y para nuestras citas con las Azores todo esto nos viene muy apropiado y oportuno. Como se dice por aquí, nos vienen que ni pintados. Esa caratula del propio disco nos traslada a las rutas interminable del profundo oeste norteamericano, a esos grupos de moteros nómadas de la carretera y rebeldes sin causa, a esa libertad de ensueños que nos aleja de todos los convencionalismos de nuestras sociedades aglutinadoras y de nuestras vidas estereotipadas o de nuestros grises trabajos capitalistas. Esta música nos da ánimos de escaparnos de la rutina y siempre nos produce sueños de libertad, todo lo que deseamos para nuestras citas atlánticas, todo lo que deseamos, por pequeño e insignificante que sea el instante, para todos nuestros amigos y para todas las buenas personas de Paz. Este disco es una recopilación de trece de sus temas más exitosos y recordados: Hotel california, New kid in town, Life in the fast lane o Heartache tonight, ¡qué maravillas de canciones! Nunca, nunca jamás, nuestra memoria olvidará a este maravilloso grupo, ni dejaremos de agradecerles lo suficiente por todos aquellos buenos momentos que nos hicieron vivir y sentir. Eagles siempre será sinónimo de libertad, Paz y buena gente; siempre será un signo de identidad de la buena gente que participa de nuestras citas de las Azores, de nuestro pequeño rincón cultural, trovadores de lujo de nuestro Scriptorium de Ávalon.

Portada.

Eagles.

Reverso.

 

 

2/ Osibisa.

Disco: The best of…

Grupo Británico.

Contenido: 13 temas y una duración aproximada de 56 minutos.

Grabación: Recopilación de 1997.

Edición: Pegasus Records.

Comentario: ¡Ay, amigos marchosos, ¿quién no recuerda a este querido y añorado grupo de música disco? ¿Quién de vosotros no se ha echado unos bailecitos sudorosos debajo de la bola de cristales luminosos: destellos y luces de alegría y felicidad, chicas hermosas de delicadas y muy sugerentes curvas, contorneándose a nuestra vera y… ¡Osibisa, todos a la pista! (eh, que nadie se me extrañe, que los duendes también tenemos nuestras explosivas discotecas de fin de semana, faltaría más). Este magnífico grupo, que fueron los amos de las discotecas durante la década de los 70 del siglo pasado, se formó en Londres en el año 1969 y estaba formado por un heterogéneo y abigarrado grupo de buenos músicos africanos y caribeños (creo recordar que eran cuatro africanos, Ghana y Nigeria, y tres caribeños, Trinidad, Granada y Antigua), músicos que propagaban por todo el mundo la buena música y con ella la alegría por la vida. Pero, ay compadres,  ¡qué marcha llevaba su música y sus actuaciones! Desde luego, si deseamos montar una estupenda noche disco en las Azores, esta banda era la mejor opción disponible y, siendo unos encuentros para subrayar todos los buenos sentimientos de Paz y felicidad, todos sus componentes se volcarían de forma inmediata y entusiasta en nuestra pacífica fiesta, con toda certeza. Bueno, pues eso, dejémonos arrastrar por estos ritmos bailongos, aparquemos nuestras copas en la mesa por unos minutos, invitemos a nuestra pareja (o a nuestra conquista, que las chicas de Azores son hermosísimas y allá cada cual con sus opciones), y alegría y bailoteos a raudales. Todos a una… ¡viva la vida, viva la Paz, viva las Azores, viva Osibisa!

Portada.

Osibisa.

Reverso.

 

 

3/ Maná.

Disco: ¿Dónde jugarán los niños?

Grupo Mexicano.

Contenido: 12 temas y una duración aproximada de 54 minutos.

Grabación: 1992.

Edición: WEA – Warner Music. 

Comentario: Sin duda alguna, el mejor rock de Méjico. Maná es un grupo que supuso un aire nuevo y fresco en el panorama de rock en Latinoamérica y este magnífico disco lo demuestra. En esta nueva cita de las Azores este estupendo grupo pone la alegría y la mejor marcha rockera para desatarnos en las noches estrelladas del Atlántico con muy buena música, bailes posesivos, amoroso sexo (algo, ¿no?) y alcohol del bueno. Casi una hora de temas magníficos y de indiscutible calidad: Oye mi amor, Cachito, Como diablos y mucho más. En suma, una inmejorable banda de rock que te hace adicto a sus discos y que no podía faltar en nuestras citas de alegría y Paz. Con estos chicos, con estos enormes músicos, siempre habrá buena amistad, siempre “buen rollito” y magnífico feeling,  y siempre, allí dónde se presente la ocasión, nos echaremos unos alegres tragos y compartiremos mutuamente nuestras risas y felicidad, pues ellos nos contagiaran, con su buen carácter y optimismo musical, nuevas energías y renovados ánimos. Maná, parece gritarnos a todos, con su mejor intención y con esa espontánea alegría que comparten los buenos amigos y la gente de bien, desde Méjico y desde las Azores, para todo el que quiera compartir nuestra alegre música: ¡chingado el que no viva, chingado el que no ame, chingado del carajo el que mate en una guerra codiciosa, injusta y loca!

Portada.

Maná.

Reverso.

 

 

4/ Gwendal.

Disco: Gwendal.

Grupo francés.

Contenido: 12 temas y una duración aproximada de 50 minutos.

Grabación: 1995.

Edición: PDI – RBA. 

Comentario: Gwendal, este magnífico grupo francés, pone el punto Celta a nuestra cita de hoy. Una banda de la mejor música de Bretaña, música étnica y muy popular, muy alegre y “movidita”. Es decir, ideal para ir calentando el esqueleto en la pista de baile, ideal para compartir alegría, ron y whisky, vino, cerveza, besos y caricias, ideal en suma para vivir la alegría y compartir los buenos sentimientos. ¿Qué mejor oferta musical se podía presentar para nuestras citas isleñas? Ninguna, ¿verdad? Eso hemos pensado nosotros al incluirlos en esta ocasión entre nuestras recomendaciones. La aportación francesa a nuestro encuentro musical no podía ser más vitalista y alegre, no podía nadie más, ninguna otra banda, ofrecernos una mayor alegría y felicidad que estos buenos músicos y estos doce temas tan moviditos y festivos. Cuando oyes a este disco, uno termina por confirma una verdad incuestionable: que la buena música une a los pueblos y a sus gentes. Por este motivo siempre hemos buscado algo de variedad musical en nuestras pacíficas citas de las Azores. Esperamos haber conseguido que estas magníficas músicas nos hagan sentir sentimientos de hermandad, Paz y buenas intenciones entre los pueblos y las gentes de bien. Yo por ejemplo, este humilde duende, quiero mucho más a toda la Bretaña francesa y a sus alegres gentes desde que escucho a Gwendal. Y esto, no me lo negaréis, ya es un milagro de la música que todo el mundo puede sentir y comprobar. Ciertamente, los acordes y melodías que desde las Azores se escuchan nos hermanan y alegran a todos los duendes y, eso esperamos, a muchos humanos con buenos sentimientos y corazones felices.

Portada.

Gwendal.

Reverso.

 

 

5/ Dire Straits.

Disco: Making Movies.

Grupo Británico.

Contenido: 7 temas y una duración aproximada de 38 minutos.

Grabación: 1996.

Edición: Mercury Records – El País.

Comentario: Que este duende siente una especial predilección por los Dire Straits, a estas alturas del Scriptorium, creo que es muy manifiesto. Ya hemos recomendado otro de sus magníficos discos en una anterior entrega, pero es que esta banda de rock-pop británica es sin duda una de las mejores de toda la historia de la música Rock (o por lo menos esa es mi modesta opinión de viejo duende rockero). Escuchar esa asombrosa y deliciosa guitarra en las mágicas manos de un soberbio Mark Knopfler, con todo ese extraordinario acompañamiento musical del resto de la banda, en unos temas magníficos y asombrosos, es uno de esos instantes de emociones y sentimientos irrepetibles y deseables, instantes a los que nunca renunciaré y que hacen mi modesta vida un poco más amable, feliz e intensa. Y esto que le pasa a este insignificante duende, me consta, le ocurre a muchas más personas, gentes felices y, por lo tanto, agradecidas a esta estupenda banda por todos eso singulares instantes vividos que su buena música nos proporciona y regala. Bueno, pues eso, si se celebra una cita en las Azores de buenas bandas de la mejor música, mis Dire Straits nunca, ¡jamás!, dejarán de participar y llenarnos las fiesta con todo su buen hacer, su admirado talento y su enorme profesionalidad; en suma, siempre estarán con nosotros por representar la calidad musical y humana que deseamos para todos nuestros buenos amigos, para llenar un mundo gris de color y sana felicidad con su maravillosa música. ¡Qué más os puedo decir! Simplemente, termino, y disfrutar de este extraordinario disco.

Portada.

Dire Straits.

Reverso.

 

 

6/ Dover.

Disco: Late at Night.

Grupo Español.

Contenido: 13 temas y una duración aproximada de 42 minutos.

Grabación: 1999.

Edición: EMI – Odeón.

Comentario: Dover es, sin duda, uno de los mejores grupos de rock and roll de toda la historia en España. Este de hoy es su tercer disco y su segundo gran éxito de ventas y popularidad. Las hermanas Amparo (1965- ) y Cristina (1975- ) Llanos, voces y guitarras, líderes del grupo, nos embrujan y encantan junto a Jesús Antúnez (1973- ), batería, y, aquí y ahora, Álvaro Diez, bajistas, (más tarde Álvaro abandonaría el grupo y sería sustituido como bajista por  Samuel Titos). Dover forma una banda española muy sólida y profesional que nos trae el mejor rock cantado en inglés que se hace por estos lares y que nos llega y alborota como si se tratará de los propios Rolling Stone o de los mismísimos AC/DC. En fin, que nuestros chicos de Dover encarnan el más puro y rebelde espíritu del Rock en cada uno de sus temas y, cómo no, para una noche “fuerte” y movidita en nuestras citas atlánticas, para dejarnos poseer por su ritmo y fuerza, este grupo se nos antoja imprescindible y muy apropiado. Con ellos alcanzaremos el voltaje necesario para llegar al valor y la rebeldía necesaria para mandar, a gritos y a los cuatro vientos, a hacer puñetas a todos esos negros cuervos de la guerra de este mundo y a todos esos otros cínicos  y miserables políticos que trafican y negocian con armas y con las vidas de miles de inocentes víctimas, de miles de “daños colaterales” que siempre tienen nombre y apellidos y que pagan con sus vidas las villanías y miserias de todos esos hipócritas estadistas del infierno. Sí, Dover nos dará fuerza y valor para enfrentarnos a todos esos canallas de corbatas y gomina, su música, y este disco en particular, nos empujará a creer y luchar por un mundo mejor y más justo (o por lo menos, eso quiere pensar este ingenuo duende). Seré un joven de otro tiempo y volveré a gritar… ¡Sexo, drogas (algo de alcohol en mi caso) y… Dover!

Portada.

Dover.

Reverso.

 

 

7/ Tribalistas.  

Disco: Tribalistas.

Asociación de músicos brasileños: Marisa Monte – Arnaldo Antunes – Carlinhos Brown.

Contenido: 13 temas y una duración aproximada de 42 minutos.

Grabación: 2002.

Edición: EMI – Phonomotor Records.

Comentario: La aportación brasileña a nuestras citas musicales es soberbia e insuperable. Tribalistas es producto de la asociación de tres enormes artistas: Marisa Montes (1967- ), cantante de voz hermosísima; Arnaldo Antunes (1960- ), poeta, músico y productor; y Carlinhos Brown (1962- ), cantante, músico, compositor y productor. Esta asociación de grandes profesionales y muy buenos amigos no podía ofrecernos más que un maravilloso, singular y muy sentimental disco. Este disco nos envuelve en una atmósfera de buenos sentimientos, Paz y felicidad, es como si uno sintiera que lo que nos transmite sus hermosas melodías y sus sensuales voces se pudiera resumir en el famoso dicho de vive y deja vivir. En nuestras citas de las Azores sabremos sacarle todo el partido y jugo sabroso a estos ritmos alegres y vitalistas. Los más o los menos de nosotros cambiaremos el habitual whisky o el ron y cola por un coctel fresquito de caipirinha, cerraremos los ojos y abriremos los demás sentidos para dejarnos llevar por este néctar de los dioses, por estas maravillosas voces y esta sugerente música, porque no se puede pensar nunca que alguien con la suficiente sensibilidad para disfrutar de este disco pueda a su vez ser capaz de destruir y matar por arrebatos de brutal furor y descontrolada codicia (o por lo menos, eso quiero yo pensar). Y ahora ya os dejo que no me quiero perder ni un solo matiz o ni una nota de estas hermosas y sugerentes melodías que estoy escuchando de estos brasileños tan admirados y queridos. Silencio, empiezan los primeros sones de un trío de las Azores muy distinto, en las antípodas, de aquel otro de grises y patéticos políticos, empieza los primeros compases y voces de la mejor música brasileña de… ¡Tribalistas!

Portada.

Tribalistas.

Reverso.

 

 

8/ One Republic.

Disco: Dreaming out loud.

Grupo estadounidense.

Contenido: 14 temas y una duración aproximada de 57 minutos.

Grabación: 2007.

Edición: Mosley Music I. Records.

Comentario: One Republic, es una banda norteamericana que toca un pop rock muy sobrio, de gran calidad, muy elegante y que, a mí en particular, me gusta sobremanera. Este disco que recomendamos es su disco de debut y fue un enorme éxito de ventas y crítica. En él destacaría el tema Apologize (remezclado para single por el rapero Timbaland -en la pista última del disco- y que sería un gran éxito mundial). Pero es un disco muy completo y realizado con una enorme profesionalidad, lo que suele traducirse en un disco de enorme brillantez, ya todo un clásico muy querido y apreciado por los seguidores de este magnífico grupo y por todo buen aficionado al mejor pop rock. Creo, sin exagerar, que son un singular referente para cualquiera nueva banda de pop que desee brilla y mostrar seriedad y calidad en sus trabajos y grabaciones. Casi una hora de muy buena y asombrosa música, que nos hará disfrutar y querer de forma incondicional a esta banda de virtuosos rockeros. Os lo garantizo y, claro, siempre los recomendaremos a todos nuestros buenos amigos y a todas las personas de Paz y buen corazón.

Portada.

One Republic.

Reverso.

 

“No hay camino para la Paz, la Paz es el camino”. Mahatma Gandhi (1869-1948). Político y pensador indio.

La buena música: arma que alarga la vida.

PINACOTECA ATLANTIS (I): ¡Aún dicen que el pescado es caro! De Joaquín Sorolla (1863-1923).

Hola a todos.

Hoy nos disponemos a reeditar una entrada que ya ha sido publicada en nuestro blog hermano Costa da Morte. Pero nos ha parecido tan interesante y acertada que no nos hemos podido resistir. Con el permiso de nuestro buen amigo Breixo Abréu de Camariñas, viejo lobo de mar, os la ofrecemos esperando que a vosotros también os plazca y entretenga.

 

PINACOTECA ATLANTIS (I): ¡Aún dicen que el pescado es caro! De Joaquín Sorolla (1863-1923).

 

Marina: Rompientes de Atlantis.

En nuestra particular tertulia tabernera del Pecio Alegre tenemos a un simpático jubilado, dicharachero y buen bebedor de whisky añejo, de origen irlandés, conocedor de mil historias, de cabellos y pobladas barbas (en sus días de fuertes vellos pelirrojos y hoy ya tirando más a blancos canosos), bien parecido y de estura media (unos 1.75 metros), antiguo marino mercante, hombre de mundo y solitario viudo: el bueno de Patricio O’Neall. Quiso el destino que este marino mercante conociera, ya en su edad madura, a una alegre viuda de pescador, Águeda Novoa, la maciza, para más señas. Dama solitaria de Camariñas, sin hijos, independiente, decidida y muy mujer, que supo enamorarle el corazón y domesticar sus conocidas ansias varoniles, hasta el extremo de atarlo rendido a su cama y a su hogar de forma definitiva. Por lo que nuestro amigo Patricio, llegada su jubilación, pasó a afincarse en Camariñas, en la vieja casa aislada de las laderas de la colina, propiedad de su enamorada esposa, a escasos metros de nuestra querida taberna y, como dos tortolitos, se dispusieron a vivir intensa y apasionadamente su amor. Pero ese mismo destino intangible se suele mostrar casi siempre muy caprichoso e incomprensible, y de esta forma decidió, de forma unilateral y sin contar con nadie, que ahora la viudedad le sobreviniera al entregado Patricio. Y así, a los pocos años de aquella feliz unión amorosa, su esposa enfermó gravemente y falleció a los pocos meses, dejándolo en un lamentable estado de soledad y abatimiento. Dueño en una enorme casa que atender, más solo que el faro de Vilán y con mil tareas cotidianas en las que nunca había reparado.

Pasión por la luz y el mar.

Pero los amigos están para algo, ¿verdad? Y así fue en el caso de Patricio. De inmediato, su entorno cercano de amigos y conocidos de buena voluntad se volcó en ayudar y participar en la pronta recuperación del hundido y depresivo Patricio. Lo primero fue buscarle una joven asistenta que atendiera su casa y su cocina. Hoy día este apartado lo tiene resuelto de ocho de la mañana a ocho de la tarde y de lunes a sábado, por la servicial, muy hacendosa y siempre dispuesta María Barral, joven treintañera de la localidad muy profesional e hiperactiva. La joven María cuida perfectamente a nuestro irlandés, a su casa, sus coladas, su despensa, y le atiende siempre en el desayuno matutino y la comida principal del mediodía, para la que le ofrece variedad de ricos y sabrosos guisos, a los que nuestro viudo ya se ha acostumbrado y adaptado a las mil maravillas. Para las cenas, en ocasiones le deja algo preparado o algunas sobras frías del mediodía, o ya se suele apañar Patricio con alguna cena fría y de picoteo o, muy corriente también, nuestro irlandés cena en el Pecio Alegre con la alegre compañía de Anxo y las ricas viandas de de nuestra gentil cocinera Amparo. Pero además de esta extraordinaria ayuda sobrevenida se llevaron a cabo otras estrategias revitalizantes. Una fue particularmente feliz: nuestros taberneros, Anxo y su familia, le regalaron un cachorro de perro pastor alemán, al que él llamó Douglas, que es hoy día su alegría y fiel compañero matutino y doméstico (al Pecio, por las tardes-noches, no lo suele traer nunca, dejándolo en casa en tareas muy propias de guardián).

La trata de blancas (1894).

Y ahora ya llegamos a lo que importa para nuestro caso. Pero tal vez, la causa más feliz, acertada y determinante en la recuperación anímica y vital del bueno de Patricio O’Neill fue su provocada, repentina y apasionada nueva afición a la pintura y al arte en general. Alguien que conozco muy bien (pero no mencionaré, pues es asunto de duendes modestos y reservados) le regaló un equipo completo de pintura al óleo y a la acuarela, con todos sus elementos: lienzos, pinturas, pinceles, caballete, paletas, etc. Además de una edición de lujo un magnífico curso de pintura, muy ilustrada y de enorme calidad. Y Patricio, desde el primer momento, se entregó de forma sincera y apasionada a su nueva afición y actividad. Desde entonces, casi todas las mañanas que el tiempo lo permite, sale con su bastidor portátil y sus trastos de pintura a pintar al aire libre, a la hermosa naturaleza agreste y marinera del litoral de nuestra querida Costa da Morte. Y, a estas alturas, creo que no quedará rincón pintoresco que no haya pintado o abocetado: costas, rompientes, faros, puerto, embarcaciones y toda clase de marinas, además de parques, jardines, flores, etc. Pero, y esto es muy importante, esta nueva pasión le ha llevado a adquirir una modesta pero muy apañada biblioteca de pintura y arte que nos lo ha convertido, en muy poco tiempo, en un genuino “experto aficionado y muy entendido”. Por todos estos motivos, de un tiempo a esta parte, Patricio O’Neill es nuestro asesor y moderador tertuliano en asuntos de Bellas Artes. Él será el responsable de enseñarnos y comentarnos algunas bellas obras de la historia de la pintura o la escultura que tengan que ver con el mar y las gentes marineras. Y desea empezar con una extraordinaria pintura que a todos en el Pecio Alegre, humanos, duendes y atlantes, nos ha emocionado.

 

¡Aún dicen que el pescado es caro!

De Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923).

Técnica: Óleo sobre lienzo. Año 1894.

Dimensiones: 151,50 x 204 cm.

Localización: Museo del Prado – Madrid.

 

Esta pintura obtuvo la Medalla de Primera clase en la Exposición Nacional de Bellas Artes del año 1895.

 

 

Joaquín Sorolla y Bastida.

A Joaquín Sorolla y Bastida se le ha ido encuadrando en los movimientos Impresionistas, Postimpresionistas y, más tarde, cuando ya empieza su época más brillante y fructífera, la de la experimentación del color y la luz y las playas, sol y niños, en la corriente conocida como Luminista. Pero este cuadro de hoy es de una primera época, de mediados de la década de los noventa del siglo XIX. A raíz de su visita al París del Arte y los bohemios, Sorolla sentirá la necesidad de tratar escenas realistas y comprometidas, cargadas de contenido social (también de este año es su cuadro La trata de blancas). Parece ser que la inspiración de este lienzo proviene de una novela de Vicente Blasco Ibáñez (1867-1928): Flor de mayo. En esta novela se narra la dramática muerte en un accidente de un joven pescador, Pascualet, y es una tía del joven pescador la que se lamenta con palabras parecidas a las del título de nuestro cuadro: “¿Aún les parecía caro el pescado? ¡A duro debía costar la libra…!”.

Detalle 1.

La escena que se nos muestra es sobrecogedora por sincera y dramática. Un joven pescador, con el torso desnudo, ha sufrido un grave accidente y es atendido por dos veteranos compañeros en el sollado inferior del modesto barco pesquero, junto a la base del macho del mástil de la embarcación. El pescador más veterano va tocado con una barretina oscura, gorro muy típico de los pescadores del Mediterráneo catalán, mallorquín y valenciano. El otro muestra una reluciente calvicie que es iluminada, igual que la escena principal, por una luz cenital que penetra por la trampilla abierta en cubierta (es muy curioso, y algo incomprensible para mí, que, para este aficionado irlandés, ha sido siempre y principalmente esa iluminada calvicie la causa principal de distracción inevitable del asunto dramático y principal del cuadro. Que el personaje me perdone por mi desconsiderada fijación). El pescador más veterano intenta contener la hemorragia con un paño mientras el otro sujeta los hombros del herido incorporándolo un poco. Del cuello del joven accidentado, que ya tiene una palidez mortecina, cuelga una pequeña medalla religiosa, posiblemente (porque no se aprecia bien), será la Virgen del Carmen, patrona de las gentes marinera. Pues, como es sabido, la Fe suele ser siempre una actitud sincera y el último consuelo de las almas marineras.

Centro de atención y la composición áurea.

Y toda la escena nos muestra y recoge la humildad del oficio y la sencillez del drama. Un sollado de un barco pesquero es un abigarrado almacén que sirve para todo y para nada. En un rincón unos cuantos peces muertos, desprendiendo su particular olor marinero. Detrás, un tonel de agua dulce. A nuestra derecha, un amasijo de cuerdas y trapos (sacos, telas de vela, cosas así), enseres de faena dejados caer aquí y allá, y siempre a mano (o siempre escondidos, que el diablo siempre está a bordo). Las ropas de los marineros, humildes, remendadas, raídas, sucias. Y, además, nuestro pintor se cuida de todos esos detalles, muy realistas y ajustados: el farol en el macho del mástil, el agua saltarina del caldero, algunos trapos limpios sobre la base del mástil, etc. Si además a todo esto le añadimos una clara composición áurea (la de los famosos 2/3, que tanto nos gusta a los pintores aficionados) podemos afirmar que en este cuadro Sorolla consiguió una de las ecuaciones artísticas más perfectas y bellas posibles para mostrarnos el valor, más que del pescado, el de esos honestos y esforzados hombres que se juegan en algunas ocasiones la vida en pescarlo.

Detalle 2.

Ahora os diré que este aficionado irlandés no es un experto ni entendido en arte ni un catedrático de la Historia del Arte. La vida no me ha proporcionado esa excelsa formación ni se pretende aparentar una cultura de la que se carece. Mi modesta aportación a las tertulias del Pecio Alegre sólo desea amenizar y compartir mi sincera afición y mis pobres, pero bien fundamentados conocimientos, de una manera bien intencionada y amiga. Si en algún momento cometo algún descuidado fallo, ya pido disculpas amparándome en esa pretendida buena intención. Y, lo confieso ahora, yo simplemente tengo la meridiana y directa opinión que tenía el notable escritor ruso Antón Chéjov (1860-1904) cuando afirmaba: “La obras de arte se dividen en dos categorías: las que me gustan y las que no me gustan. No conozco ningún otro criterio”. Y de eso se tratará, de compartir aquellas pinturas u obras de Arte que considere que tienen un valor, no sólo artístico, sino también humano y social.

Detalle 3.

Y este cuadro nos dice muchas cosas sobre la singularidad humana y el carácter de las personas. Por una parte, nos muestra cosas buenas y admirables. Como pueden ser las propias cualidades del artista. Unas manos hábiles y maravillosamente entrenadas, que son capaces de plasmar en el lienzo estados de ánimo muy expresivos y manifiestos, o unos detalles asombrosamente realistas para crear la atmósfera y el ambiente dramático preciso. En suma, una asombrosa imaginación despierta y sagaz para componer esta escena de dolor y compañerismo, que nos transmite unos sentimientos tan humanos y reconocidos como son la hermandad, la compasión o la tristeza desolada. Por otra parte nos dice cosas no tan admirables. Por ejemplo, que todo trabajo humano requiere de un tiempo de aprendizaje y entrenamiento para alcanzar la debida confianza y seguridad. Y que por este motivo los accidente laborales son mucho más frecuentes entre los jóvenes inexpertos o los grumetes distraídos. Que algunos oficios (por ejemplo, se me ocurren, el de banquero o político) son ejercidos por personas que no moverían una ceja sin antes tener asegurada una buena ganancia o un dinero anticipado. Mientras que otros, por ejemplo el de pescador, son capaces de jugarse la vida en arriesgadas faenas por un salario de subsistencia. En suma, que este es uno de esos mágicos cuadros que nos hacen meditar y nos enriquecen para ser mejor personas y un poco más instruidos, lo que equivale a ser un poco más felices. Esta es aquí, en mi opinión, la magia de los pinceles de Joaquín Sorolla.

Detalle 4.

Y, desde luego, no creo que nadie discuta el tremendo valor documental y social de esta dramática pintura. Porque, tengámoslo en cuenta, todavía hoy día muchas personas no eligen sus oficios y ocupaciones libremente. Y mucho menos los duros trabajos de minero, albañil o pescador. En muchas ocasiones son trabajos sobrevenidos por las circunstancias personales, por la vital necesidad (y en ocasiones extremas, hasta por el hambre) o por la tradición familiar. Pero, eso sí, una vez allí, en el duro tajo, en las interminables y peligrosas faenas marineras, estos hombres de la mar, sin tener en cuenta casi nunca la calidad de su sueldo, ejercen de pescadores con una gran honradez, honestidad y valentía, y haciendo siempre gala de un sentimiento de hermandad y compañerismo que se echa en falta en otras muchas actividades. Agonizar por un triste accidente de pesca en un pobre, maloliente, húmedo, mal iluminado y descuidado sollado de pescadores es un enorme drama, entonces y, si se da el caso, ahora. Drama que se acrecentaría insensata e injustamente si los humanos (en muchas ocasiones, incomprensiblemente, muy ingratos y arrogantes) ninguneásemos a este noble oficio de pescador u olvidáramos en algún momento la grandeza e integridad de los hombres de la mar que se desprende claramente de otra conocida frase: “el buen trabajador siempre da más de lo que cobra”. Y este gran cuadro es un sincero y magnífico recordatorio, intemporal e imperecedero, que nos legó un enorme pintor, un inconmensurable artista y un alma sensible y conmovida. De parte de todas las gentes marineras, con sinceridad y gratitud, ¡muchas gracias señor Sorolla!

 

“La función del Arte en la sociedad es edificar, reconstruirnos cuando estamos en peligro de derrumbe”. Sigmund Freud (1856-1939), psicólogo austriaco.

La hermosa luz de la frontera.

MIS DISCOS DE JAZZ (VIII): SAXO CLÁSICO.

Hola a todos.

Hoy empezaremos a hablar de otro de los imprescindibles y maravillosos instrumentos del querido mundo Jazz.

MIS DISCOS DE JAZZ (VIII): SAXO CLÁSICO.

De izquierda a derecha: Saxo Soprano, Alto, Tenor y Barítono.

Una aclaración previa y superficial, para que se aprecie y se tenga en cuenta por todos. Existen hasta ocho tipos distintos de saxofones, según sus estructuras, tamaños y afinamientos. Pero podemos decir que, a grandes rasgos, en el mundo del Jazz fundamentalmente han participado cuatro de ellos. De menor a mayor tamaño tendríamos: el Saxo Soprano (en sus dos estructuras de cuello recto y oblicuo), el Saxo Alto (de cuello oblicuo), el Saxo Tenor (de cuello ondulado y horizontal) y el más raro y mayor de todos ellos, con cuello casi retorcido, el Saxo Barítono (yo, con este último saxo, siempre recuerdo al menudo Gerry Mulligan con su enorme saxo barítono colgado delante de su torso). Cada uno de estos saxofones tiene su particular sonoridad, su propia dificultad y su singular técnica. Y en cada uno de ellos hemos tenido virtuosos y enorme intérpretes que han elevado al saxofón al trono protagonista de todos los buenos grupos de jazz y que a su vez lo han hecho solista casi indispensable e insustituible de todo bolo y concierto de buen jazz que se precie. Si es muy cierto que a este duende, por gusto personal, el piano le parece un instrumento fundamental y único, sólo ha sido en la compañía de un buen saxo como realmente ha alcanzado las mayores cotas de emoción y calidad que yo haya experimentado en mis audiciones del mejor Jazz Clásico.

Un músico en los Altares: San John Coltrane.

Y hoy de eso se trata: de recomendar algunos de los discos del mejor saxo clásico que se puede escuchar, en interpretaciones de grandes figuras indiscutibles de la historia de este asombroso instrumento. Desde los mejore precursores de la época dorada de las grandes bandas y los increíbles bolos de los mejores solistas, pasando por los revolucionarios del Bibop, Hard Bop, Coll o incluso algo de bossa nova. En esta selección de hoy tenemos, indudablemente, a casi todos los más grandes de la historia del saxo. Una selección de discos de oro y calidad extraordinaria en la que echaremos a faltar a muy pocos de los más destacados (la limitación de nuestros formatos de post hace imposible una selección más justa y acertada. Espero que se nos entienda y disculpe las posibles ausencias a destacar y observar). En fin, os dejo que esta nueva entrega de el mejor Jazz Clásico que espero os agrade y distraiga, pues como dijo en una ocasión el gran Norman Granz (1918-2001; productor de las míticas giras de Jazz, JATP – Jazz At The Philharmonic): “mis esfuerzos van dirigidos a presentar el mejor Jazz posible a la audiencia (lectores, en nuestro caso) más numerosa posible”. Sea.

 

 

1/ Coleman Hawkins (1904-1969).

Discos: Maestros del Jazz.

Saxo tenor estadounidenses.

Contenido: 16 temas y una duración aproximada de 62 minutos.

Grabación: Recopilación de 1994.

Edición: Polygram Records – El país.

Comentario: Este saxofonista ha sido un auténtico clásico en la historia del Jazz y un enorme referente para otros muchos saxofonistas posteriores. Su estilo permanece dentro de los márgenes de Swing y el Bop, habiendo participado y colaborado con las mejores bandas e intérpretes de su tiempo: Thelonius Monk, Oscar Pettiford, Miles Davis, Max Roach, Dizzy Gillespie o Fats Navarro, por ejemplo. Otro grande del saxofón como fue Sonny Rollins (ya hablaremos de él en otra futura entrega), reconoció siempre su deuda artística con Coleman Hawkin. Y otros mucho le atribuyen una clara y decidida influencia en el nacimiento de revolucionario movimiento Bebop que tanto marcó e impulsó al Jazz en las décadas de los 40 y 50 del siglo pasado. Este disco es una extraordinario recopilación que nos ofrece ese sonido sobrio, de gran calidad y perfeccionista que tanto distinguió a este gran maestro del Jazz. Una hora del mejor saxo clásico que podemos escuchar y que no puede faltar en ninguna buena discoteca de Jazz Clásico. Y ahora, lo de siempre… ¡otro de mis imprescindibles! 

Portada.

Coleman Hawkins.

Reverso.

 

 2/ Lester Young, “Pres” (1909-1959).

Disco: Basie Days.

Saxo tenor estadounidense.

Contenido: 22 temas y una duración aproximada de 76 minutos.

Grabación: Recopilación de 2003.

Edición: SagaJazz Records.

 

Comentario: Lester Young, apodado por su gran amiga y gran cantante Billie Holiday como “Pres”, porque lo consideraba “el presidente” de todos los saxofonistas tenores, es sin ninguna duda otros de los saxofonistas tenores de más renombre e influencia en la historia del Jazz. Su estilo también se centro en los movimientos del swing, bop y cool, e, igual que Coleman Hawkins, fue un claro referente para el movimiento bebop y hard bop. Muchos de los más grandes saxofonistas posteriores han reconocido su gran influencia en sus posteriores estilos e interpretaciones. Este disco es una estupenda recopilación para escuchar ese estilo meticuloso, frío y preciso de este enorme saxo tenor. Todos sus mejores temas en versiones originales y que nos ofrece más de una hora de muy buen jazz clásico y del mejor jazz de la época de las grandes bandas, con frenético ritmo swing y bop y con interpretaciones soberbias e inolvidable. Lester Young, ese dandy elegante y enorme músico del mejor jazz, con su inconfundible sombrero de copa baja, siempre será otro de nuestros preferidos saxos de todos los tiempos. No os lo perdáis.

Portada.

Lester Young, «Pres».

Reverso.

 

 

 3/ Don Byas (1912-1972).

Disco: Laura.

Saxo tenor estadounidense.

Contenido: 18 temas y una duración aproximada de 55 minutos.

Grabación: Recopilación de 2000.

Edición: Universal Music.

Comentario: Carlos Wesley “Don” Byas, es sin duda otro de los grandes saxofonista de la época Swing y Bebop. Él, podríamos decir, fue de los que “hizo las Europas”, pues vivió en Europa los últimos veintiséis años de su vida. Después de la segunda guerra mundial, en el año 1946, viajó por primera vez a Europa y, después de tocar de gira por Dinamarca, Suiza, Bélgica, Alemania o España (vivió en Barcelona en 1947 y 1948, siendo escuchado y conocido por entonces por nuestro admirado Tete Montoliu), terminó por establecerse en el bohemio París de finales de la década de los cuarenta, para trasladarse a Ámsterdam en la década de los cincuenta. Don Byas toco también con los más grandes de su época: Coleman Hawkins, Count Basie (en cuya prestigiosa banda entró para sustituir a Lester Young), Duke Ellington, Art Blakey o Dizzy Gillespie, hasta que pudo llegar a tener su propia banda. Aquí tenemos una recopilación de dieciocho temas clásicos, preciosos, elegantes, románticos, interpretaciones soberbias, notas sostenidas en el aire, melodías cautivadoras que nos llevaran a querer y admirar por siempre jamás, no sólo a este gran intérprete, sino también a ese asombroso saxo tenor que nos cautiva y emociona. Don Byas, siempre será para nosotros todo un clásico entre los clásicos.

Portada.

Don Byas.

Reverso.

 

 

 4/ Charlie Parker, “Bird” (1920-1955).

Disco: Bird’s Best bop en Verve.

Saxo Alto y tenor, estadounidense.

Contenido: 16 temas y una duración aproximada de 48 minutos.

Grabación: Recopilación de 1995.

Edición: Polygram Records – Verve Group.

Comentario: Charlie Parker, apodado Bird o Yardbird (Pájaro), es, “para muchos”, el mejor saxofonista de la historia del jazz. Pero sobre todo fue, junto a Dizzy Gillespie, Max Roach, Bud Powell, Thelonious Monk y Dexter Gordón, el gran revolucionario de la música Bebop en la década de los cuarenta del siglo XX. Jóvenes músicos que durante la guerra, y sobre todo después de ella, se rebelaron contra el patrón melódico y encorsetado que les imponían las grandes bandas (Big Band) de Swing para llevar a sus instrumentos al más absoluto protagonismo, a armonías frenéticas, posesivas, de encendidos solistas. En palabras del propio Charlie Parker: “El Bop no es hijo natural del jazz. Es algo completamente separado y distinto. Sólo es música. Trata de intentar tocar con limpieza y buscar las notas bellas”. Esta magnífica recopilación del año 1995 nos ofrece dieciséis temas originales con el más genuino y auténtico Bird. Puro nervio, entrega, virtuosismo, emoción musical y belleza armónica del mejor saxo solista de la corriente Bebop que se pueda escuchar y que, sin ninguna duda, marcó toda una época y a toda una nueva generación de buenos músicos que, con su inspiración y enorme influencia, siguieron innovando y evolucionado con los nuevos movimientos del Cool, el Hard Bop y, algo más tarde, con el Funnky jazz y el Post Bop, por ejemplo. En suma, son muchos los deudores y agradecidos músicos de aquel indomable, apasionado, drogadicto y autodestructivo, pero único e irrepetible, Charlie Parker, alias Bird. Los Dioses lo tengan en su gloria pues, si bien es cierto que llevo una vida de sufrimiento y dolor, con su música nos la ha hecho mucho más llevadera y grata a todos los buenos aficionados al Jazz.

Portada.

Charlie Parker, «Bird».

Reverso.

 

5/ Dexter Gordon (1923-1990).

Disco: Our man in Paris.

Saxo tenor estadounidense.

Contenido: 7 temas y una duración aproximada de 50 minutos.

Grabación: Año 1963.

Edición: Blue Note Records.

Comentario: En el año 1986 el director francés Bertrand Tavernier (1941- ) realizó una extraordinaria película que fue todo un hermoso homenaje al mundo del Jazz y que yo recomendaría que fuera vista por todo buen aficionado a este tipo de música: Round Midnight (en España, Alrededor de la medianoche). La película creo que estaba basada parcialmente en las figuras jazzísticas de Lester Young y Bud Powell.  Por esto para interpretar esta película buscó auténticos músicos de Jazz. Así en su película participa un maestro reconocido y famoso del piano como Herbie Hancock y nuestro extraordinario saxofonista de ahora, Dexter Gordon. Y, personalmente, creo que no podía haber acertado más en su elección del reparto. Dexter Gordon es otro de los más grandes y soberbios saxofonistas de todos los tiempos. Es uno de aquellos jóvenes contestatarios que en la década de los cuarenta y cincuenta le dieron protagonismo indiscutible al saxofón y participaron directamente en la creación de la mencionada corriente Bebop. Este disco, grabado en el año 1963, es una auténtica obra de arte musical, una joya del mejor saxo tenor que emociona y conmueve. Si a estas alturas de nuestras recomendaciones de hoy, de todo este buen saxo, todavía no sabéis apreciar en todo su valor el sonido grave, armonioso y melódico del saxofón de toda esta tropa Jazzmen, ahora, con este maravilloso disco, lo tendréis mucho más fácil y cercano. Escucharlo con toda vuestra atención, sus notas flotarán a vuestro alrededor, os embrujarán y caeréis rendidos al Bebop y a un inconmensurable y único Dexter Gordon. Os lo garantizo.

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Dexter Gordon.

Reverso.

 

 

 6/ John Coltrane (1926-1967).

Disco: Blue Train.

Saxo tenor y Alto estadounidense.  

Contenido: 7 temas y una duración aproximada de 59 minutos.

Grabación: Año 1957.

Edición: Blue Note.

Comentario: Cuando un poco más arriba hablábamos de Charlie Parker pusimos entre comillas, “para muchos, el mejor saxofonista de la historia”. Y el motivo de estas comillas es porque otros muchos (entre ellos este aficionado duende) piensan que ese mérito le podría corresponder a este otro enorme músico, a John Coltrane. Si bien es muy cierto la enorme talla y la gran pericia musical del inolvidable Bird, que realmente y por momento nos parece insuperable, también lo es que John Coltrane fue un músico tan virtuoso, experimental, poseído y entregado al saxo como aquél, y que llegó a alcanzar cotas casi enfermizas de comunión e identificación con su instrumento y con su música. Por ejemplo, se atrevió a alargar los solos de saxo hasta donde él consideraba necesario, llegando a realizar solos de más de treinta minutos (tanto protagonismo solista, al gran Miles Davis, le solía disgustar sobremanera y lo llevaba con cierta resignación). Lo suyo era una música posesiva, espiritual, única y sorprendente. En la década de los cincuenta continuó y evolucionó la corriente del Bebop hasta esas otras etapas del Hard Bop, el Free jazz o el jazz modal, para terminar llevando su experimentación musical a discos que a este duende le parecen bastante insufribles, vamos. Pero una cosa no quita ni desmerece para nada la otra, la gran calidad y genialidad que John Coltrane siempre nos ha transmitido y regalado. Este disco de hoy (ya recomendamos en otro post anterior A love Supreme, su disco icono por excelencia) es otro más de sus enormes trabajos. Yo siempre me pongo un buen whisky sin hielo, cierro los ojos y abro los oídos, y escuchando estas melodías del extraordinario Blue Train me siento transportar al séptimo cielo, me siento en un estado de bienestar muy grato y reparador. Es, sin duda alguna, una forma tan válida como otra cualquiera para renovar las pilas y tomar nuevos aires de impulsos vitalistas. Yo siempre recomendaré, a la menor ocasión que se me presente, al admirado y muy querido John Coltrane.

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John Coltrane.

Reverso.

 

 

 7/ Stan Getz (1927-1991).

Disco: Lo mejor de…

Saxo tenor estadounidense.

Contenido: 12 temas y una duración aproximada de 75 minutos.

Grabación: Recopilación de 2002.

Edición: Verve Music Group.

Comentario: De Stan Getz nuestro admirado John Coltrane dijo: “Admitámoslo. A todos los saxo tenores nos gustaría tocar como los hace Stan Getz… si pudiéramos”. Y, viniendo estas palabras de quien vienen, creo que no es posible hacerle un elogio mayor ni más sincero. Stan Getz, apodado The Sound (el sonido), debido a su tono cálido y lírico, es otro de los más grandes saxofonistas de toda la historia del Jazz. Fue un espíritu inquieto que tocó muchos palos y estilos musicales pero que, sobre todo, fue un perfeccionista patológico. Se autoexigía la perfección técnica y, en opinión de muchos, como hemos oído, tal vez llegó a alcanzarla (y si no, estuvo muy cerca, desde luego). En este disco recomendado, un recopilatorio del año 2002, tenemos doce temas muy variados y que nos muestras esa heterogeneidad de estilos y ese virtuosismo del que ya hemos hablado. Aquí podemos escuchar algo de Cool, Post Bop o Bossa Nova. En este último estilo, junto a los grandes músicos brasileños, junto a Antonio Carlos Jobim, la cantante  Astrud Gilberto y su esposos, el guitarrista Joao Gilberto, obtuvo a mediados de la década de los sesenta del siglo pasado un renovado éxito de público y crítica, obteniendo varios premios Grammy (en el año 1963 por el tema Desafinado y La chica de Ipanema, y el Grammy al mejor álbum y mejor single de 1965 por su disco Stan Getz/Astrud Gilberto). En suma, Stan Getz es otro de los irrenunciables en nuestra discoteca de jazz clásico y es, sin discusión alguna, uno de nuestros saxos tenores más escuchados y valorados. Espero que también los sea para mucho de vosotros después de oír con toda la tención que se merece este magnífico disco.

Portada.

Stan Getz.

Reverso.

 

 

 8/ Pedro Iturralde (1929 – ).

Disco: Jazz Flamenco.

Saxofonista español.

Contenido: 8 temas y una duración aproximada de 75 minutos.

Grabación: Año 1968.  – Publicado en 1996.

Edición: Blue Note – Hispavox.

Comentario: Y, para terminar hoy, el jazz más español posible. Pedro Iturralde es un enorme músico de jazz, con fama internacional y también es una auténtica institución nacional del saxofón. Profesor de saxofón del Real Conservatorio de Música de Madrid desde 1974 hasta su jubilación en el año 1994, es, sin ninguna duda, un referente de calidad, virtuosismo y buena música para cualquier músico español que quiera llegar a ser algo en el mundo del jazz. Ha tocado con grandes figuras de la música, como Donald Byrd, Lee Konitz, Gerry Mulligan o Tete Montoliu. Incluso, como podemos apreciar y disfrutar en este espléndido disco, ha experimentado con la fusión de jazz y flamenco, llegando a compartir grabaciones con figuras de la talla de los guitarristas Paco de Lucia o Paco de Algeciras (éste, aquí mismo, en este disco). No cabe ninguna duda de que Pedro Iturralde, junto con Tete Montoliu, son las dos figuras más importantes del panorama jazzístico nacional y que ambos han llevado el nombre de España a ese mundo tan exclusivo y selecto como es el buen jazz. Aquí, en este disco, tenemos ocho temas largo que nos aproximan a una música que es, a al vez, muy flamenca y muy jazzística. Una delicia para disfrutar con tranquilidad en nuestra butaca preferida y sacarle todos esos aires y matices que parecen muy sencillos y ligeros pero que son el producto de muchos ensayos y de la genialidad de unos intérpretes soberbios y de un virtuoso del saxo muy apreciado y admirado. En España, de siempre, el buen jazz ha sido una música un poco de minorías, de excéntricos e introvertidos, sí. Y, tal vez por eso, Pedro Iturralde no ha tenido la fama de un Juan Manuel Serrat, un Miguel Ríos o un Julio Iglesias, y ha permanecido en un discreto segundo plano dentro del panorama musical español (tal vez se nos permita atrevernos a considerar así al mundillo de la docencia musical). Pero, la verdad, ya va siendo hora de que eso cambien para bien y seamos capaces de reconocerle todo ese enorme merito personal que este músico jubilado tiene, ¿verdad? ¡Ojalá, nuestra sinceridad llegará para tanto! Sería muy justo y, sobre todo, muy bonito colofón para toda una vida de entrega a la música.

Portada.

Pedro Iturralde.

Reverso.

  

“No toques el Saxofón, deja que él te toque a ti”. Charlie Parker, Bird, Saxofonista estadounidense.

Saxo Jazz: Pura magia.